ANIMALS, MIS MUERTOS TRISTES, TIEMPOS DE ILUSIÓN, ESTRENOS DE CINE Y PLATAFORMAS DEL JUEVES 15 DE OCTUBRE DEL 2026

JUEVES 15 DE OCTUBRE DEL 2026

ANIMALS (Netflix)

Dirección de Ben Affleck, coguionista además de Mcintyre y Billy Ray. Con Ben Affleck, Kerry Washington, Gillian Anderson, entre otros. Fotografía de Robert Elswit, Música de Harry Gregson Williams. Producción de Ben Affleck, Matt Damond, entre otros. Duración. 105 minutos.

XXX – UN POLICIAL FALLIDO

Ben Affleck tiene en su haber excelentes realizaciones como director y actor. Sin embargo, en “Animals” esa presencia imponente, incluso físicamente (2 metros de estatura), no aparece. Affleck compone al candidato a la alcaldía de Los Angeles, su mujer es afroamericana, tienen un hijo de color, y de pronto el niño es secuestrado. Se empieza a sospechar del amigo de una amiga de la criada, pero el niño regresa y resulta que el secuestrado es el hijo de esa mujer amiga del ama de llaves. Pero los secuestradores quieren el dinero sí o sí. Si no se puede decir que existe una gran diferencia entre la vida de un niño rico con la vida de un niño pobre y la posibilidad de sobrevivir a un secuestro.

En el aire flota todo el tiempo la complicidad de varios miembros policiales, así como no es digerible el m atrimonio de ficción de Ben Affleck con Kerry Washington. No por el color de la piel sino porque es una pareja que no tiene química en la actuaciòn.

Interviene una especialista en secuestros. Pero nunca se sabrá si realmente tiene que ver con los malvivientes, si es ella quien los dirige, o qué sucede entre ambas partes. El final da lástima porque la actitiud del futuro alcalde de Los Angeles es la de un cobarde.

Es un telefilm, más que una producción para una plataforma. Muy pasteurizado, al estilo Netflix, con poca emoción, poco trabajo narrativo, más bien lineal y previsible, si bien quedan estas dudas que indicamos sobrevolando. Y esto no es un buen augurio, està indicando que algo pasó con el guion, que algo se “pulió” para que todo fuese al estilo de una plataforma que neutraliza en la mayoría d elos casos los momentos claves de una historia. Para olvidar pero entretenerse tambièn.

Elsa Bragato

MIS MUERTOS TRISTES

Miniserie en 4 capítulos de Netflix.

De Pablo Larrain. Con Mercedes Morán, Dolorez Fonzi, Alejandra Flechner, Carlos Portaluppi,, entre otros. Fotografía de Sergio Armstrong, Mùsica de Francis y Mauricio Duràn. Duraciòn: 201 minutos. Coproducción Argentina- Chile

XXXX – RELATO DURO SOBRE LA MUERTE Y EL MÁS ALLÁ

El director chileno Pablo Larrain siempre se caracterizó por encarar un cine que, si bien clásico en su estructura la mayoría de las veces, resultó de vanguardia por la temática. Esta miniserie no escapa a esto último: a partir de la médica Ema (Mercedes Moràn), de 60 años, y una serie de problemas en el hospital donde trabaja, surge la historia de la muerte de su madre  como primera secuencia y su profunda conexión ayudándola a partir. Ema puede hablar con los muertos, lo hace con su madre, lo ha hecho en el hospital y esto le ha costado. Vive con una hija (Dolorez Fonzi) que ha perdido a su pareja y la visita su hermana (Flechner) quien tiene una hija con problemas hormonales muy serios quien se caracteriza por sus profundos quejidos haciendo el amor con seres del más allá.

Se producen una serie de hechos, Ema no los puede desconocer porque los escucha, gritos, pedidos de auxilio, y entonces sale a ayudar. Ve lo que ocurre, cómo matan a tres jóvenes, y es ella quien les da fuerza a las jovencitas para que sigan en su camino, aunque son espíritus que solo Ema puede ver. Es una condición especial que va transmitiendo a su hija quien encuentra consuelo hablando con el espíritu de su novio asesinado. Repentinamente es todo un barrio que se sensibiliza y escucha gritos y pedidos de socorro cuando, en la realidad, los hechos ya pasaron. Se desdibujan los planos de la realidad con ese más allá que, en un comienzo, solo parecía padecer de Ema. Este trabajo cinematográfico se debe a la buena mano de Larrain para traspasar de una realidad a otra sin que se perjudique el hilo narrativo ni se caiga en baches que quebrarían la atmosfera lograda.

El tema es muy diferente a cualquier guion nacional. Al menos, tratado a lo largo de cuatro capítulos que, si bien continúan la historia, tienen significado en forma independiente. Mercedes Moràn compone a una Ema que es, tal vez, el mejor papel de su carrera, hay empatía entre ese rol y ella, y esto lo sabe transmitir a través de la pantalla. El resto del elenco es de primerísima línea, una pléyade de grandes actrices y actores nacionales. Nos parece un tema necesario. Da esperanzas (aunque tambièn Larrain eche mano a alguna truclencia). Puede ser que en los sueños encontremos respuestas a tantas inquietudes sobre el más allá que, en cambio, Ema encuentra en su realidad. Es una historia diferente, muy bien actuada, gran elenco, y un tema necesario, aunque resulte duro, triste y fuerte a la vez.

Elsa Bragato

                                     TIEMPOS DE ILUSIÓN                                                                                                                                         

 De Eric Toledano y Olivier Nakache. Con Luois Garregl, Camille Cottin, Simon Boubill, entre otros. Fotografía de Auguste Barbaroux, Edición de Dorian Rigal Aneres. Duración: 116 minutos. Francia

       XXX – RETRATO DE FAMILIA

“Tiempos de ilusión”, ubicada en 1985, supuestamente París o alrededores, es un perfecto retrato de la vida en familia con hijos adolescentes y de la sociedad en su cotidianeidad. Vincent està por cumplir 13 años, tiene un hermano mayor, y descubre, de a poco, que sus padres se quieren pero no siempre se llevan bien. Descubre también un primer amor, y la familia de otros chicos de la escuela donde los padres se miman a diferencia de los suyos. Recibe educación hebrea, y aquí surge una pizca de xenofobia en el personaje del encargado de la casa de Vincent.

Es decir, Eric Toledano y Oliver Nakache no dejaron planteo sin cubrir, desde la escuela, el despertar amoroso ingenuo, la adultez, la xenofobia, hasta una realidad social relativa a una clase media que lucha por mantener su trabajo.

Si bien tiene unos minutos de más, el film muestra una realidad que no difiere de la actual: los padres sin trabajo repentinamente, la búsqueda, los hijos que plantean sus necesidades personales, las peleas entre hermanos, el amor, la amistad, y la falta de un empleo seguro y su búsqueda. Parece que fuese hoy pero resulta que está planteada la historia hace más de 40 años.

En la forma, es un film clásico con un elenco sólido, que hace creíble cada gesto y palabra. Es como meterse en un hogar para ver el día a día sin ser vistos. En el fondo, es lo que dijimos en el título: un retrato de lo cotidiano en la vida de un matrimonio joven con dos hijos adolescentes, qué sienten, qué les pasa, cómo se relacionan. Es un buen film sobre el alto significado que tiene mantener un hogar, vivir en familia.

Elsa Bragato

 

OTROS FILMS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)  STREET FIGHTER, de Kitao Sakurai, tìpido film oriental de trompadas, de furia descontrolada, donde se generan nuevos guerreros para combatir elementos del pasado, lo kármico, y el presente. Para liberar adrenalina.-

2)  LA CAÍDA DE LA BALLENA, DE BRIAN DUFFIELD. un joven cae con su equipo de oxígeno dentro de las fauces de una ballena, iba en busca de su padre, y es en ese insólito y temible lugar donde se da cuenta de que ahí valen las enseñanzas que le dejó su progenitor y empieza a ponerlas en práctica. Terror claustrofóbico.

3)  QUIERO TU SEXO, DE GREGG ARAKI

La crítica internacional opina que es “mucho menos punk que los primeros trabajos de este director, aunque más atrevida que casi todo lo  demás”, según Peter Debrugem, de Variety. O bien en Deadline se dice que es “una comedia exagerada, atrevida y absurda, que muestra una maravillosa química de pareja poco convencional entre los dos protagonistas”.

4)  LOS JUEGOS DEL HAMBRE, REESTRENO, DE GARY ROSS

Nada para agregar ante un reestreno que se transformó en una brillante saga que atrajo a miles de fanáticos. Para quienes no la vieron y para quienes quieren volver a verla en pantalla grande.

5)  ESTACIÓN ZOMBIE, DE SANG HO YEON. Reestreno por cumplirse diez años de su estreno. Un grupo de viajantes de tren deben descubrir de què modo salvarán su vida entre Seúl y Busán, Corea del Sur. Son zombies muy actuales, de rápida acción. Así que hay material para estremecerse y agarrarse de la butaca. Muchos zombies, por todos lados. Lo convencional del género y algo más en la acción propuesta en su historia.

                                                                           

 

KARLA, LA INFILTRADA, ANGELES, ESTRENOS DE CINE Y STREAMING DEL JUEVES 27 DE NOVIEMBRE DEL 2025

JUEVES 27 DE DICIEMBRE DEL 2025

Esta semana se caracteriza por dos directoras que llevan a la pantalla el caso de dos mujeres jóvenes que fueron claves en la resolución de casos de violencia familiar y terrorismo político.

KARLA

De Christina Tournatzés, Cinematografía de Florian Emmerich, Mùsica de Alexander Rubin, con Elise Krieps, Rainer Bock, Imagen Kogge, Torben Liebrecht, entre otros. Duración: 105 minutos. Alemania

XXXXX – KARLA, SÍMBOLO DE LA RESILIENCIA

Bien dijo la directora Christine Tournatzés que, cuando conoció el guion a cargo de Yvonne Gorlach, sintió una profunda conmoción porque estaba basado en un hecho real: una niña de 12 años que, en 1962, se animó a denunciar a su padre por violarla repetidamente. Este impacto emocional que le provocó el hecho lo transfirió con soberbia decisión a la pantalla transformando el guion en la historia de Karla (inconmensurable Elise Krieps).

Sin la actriz Elise Krieps y la expresividad de su mirada y su gestualidad tan particular este film no hubiese sido posible: se unieron una gran directora y una actriz con la sensibilidad a flor de piel, capaces, una con la cámara y la otra con su potente mirada, de decir lo más doloroso sin palabras, con pausas, con silencios y miradas prolongadas.

La voz de la mujer no era escuchada en la masculinizada sociedad de la década del 60 si bien fue un período de quiebre de viejas ataduras. Esa pequeña, Karla, se escapa de su casa, va a un internado, y se presenta ante un juez, siendo capaz de enfrentar un juicio oral y ser escuchada por la convicción de su postura, basado más en gestualidades que expresado con pelos y señales, convirtiéndose en el ejemplo de la resiliencia. Karla enfrenta el abuso intrafamiliar teniendo en claro que siempre existe algún mecanismo social que escucha. Solo no hay que callar.

Que de eso se trata esta película que atrapa por la fiel reconstrucción de época, por la cámara subjetiva de una directora como Christina Tournatzés, y porque es imposible despegar la mirada del rostro tan peculiar y expresivo de Elise Krieps. No conocemos otros trabajos de esta actriz pero con éste nos alcanza y sobra para decir que es una artista magistral al transformar un rol en un ser vivo que remueve conciencias y grita un pedido de justicia al mundo. Excepcional.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

LA INFILTRADA

Dirección y guion de Arantxa Echevarría, coguionista de Amelia Mora. Fotografía de Daniel y Javier Salomones, Música de Fernando Velázquez, con Carolina Yuste, Luis Tosar, Víctor Clavijo, Nausica Bonning, Pepe Ocio, Pedro Casablanc, entre otros. Duración:  118 minutos. España. Ganadora de dos premios Goya 2’25: Mejor Pelìcula y Mejor Protagonista femenina.

XXXXX – INTENSO THRILLER SOBRE LA DISOLUCIÓN DE LA ETA

Como en el caso de “Karla”, la directora española Arantxa Echevarría decidió llevar al cine la vida de la única mujer que se infiltró en un grupo terrorista, una historia real cuya protagonista hoy vive fuera de España con otra identidad: en la vida real ´nació como Elena Tejada, a los 20 años aceptó la propuesta de infiltrarse en el comando Donosti, de la ETA, alejándose de su familia, sabiendo que nunca sería reconocida como heroína y que bien podía terminar con un tiro en la frente. Para Elena, cuyo único amor era un gato, era una gran oportunidad y la aceptó. Su jefe, Angel (el gran Luis Tosar) fue su sostén en los casi 8 años en los que permaneció como “Arantxa”, diminutivo de Aranzaze Berradre Marína, si bien su personaje se llama en la ficción Mónica Marín, una más del barrio Abertzale y la habitué del bar Herriko Taberna, sitio de reunión de los etarras. Su comportamiento jamás levantó sospechas por lo que dos etarras le piden vivir con ella para tener seguridad.

La tensión narrativa es creciente porque “Arantxa” va dando información a “Angel”, con la seguridad de que en su departamento había micrófonos y que estaba siendo cuidada a distancia por un equipo antiterrorismo.

Hay secuencias cruciales en los que la historia cobra máxima tensión como, por ejemplo, la colocación de los micrófonos mientras los etarras se acercaban al departamento o cuando Arantxa le lleva a Angel el listado de los próximos asesinatos con el tiempo contado para devolverlo.

Hay un gran poder de síntesis en la concepción cinematográfica de “La infiltrada” que no afecta a la historia de estos ocho años de infiltrada de Elena-Arantxa, con conflictos que resquebrajan la aparente paz, si bien están dosificados de manera tal que sobresaltan, pero no quiebran el relato.

La actuación de Carolina Yuste, ganadora del Goya por este trabajo (tiene en su haber otro Goya como actriz de reparto), es inmejorable, secundada por Luis Tosar de quien se conoce su calidad escénica también muy premiada. La actriz imprime un grado de ingenuidad frente a acontecimientos límites que hace creíble lo que en verdad sucedió: casi ocho años de trabajo silencioso para desarticular al grupo cuando estaba rearmándose.

Fuera de Yuste y Tosar, el elenco tiene la solidez que requiere la historia, mientras que la directora Echevarría maneja con habilidad un thriller político con muchos vericuetos narrativos y necesarios momentos de altísima tensión para renovar el interés. A decir verdad, éste no decae nunca. Son casi dos horas de tensión de principio a fin, donde una joven mujer es rescatada del olvido por el cine. De no ser así, “Arantxa”, como le había dicho su jefe “Angel”, jamás habría sido conocida. Gran thriller político y policial a la vez con notables actuaciones bajo una dirección estricta, minuciosa.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ÀNGELES

Dirección y Guion de Paula Marcovitch. Fotografía de Claudio Rocha, Mùsica de Sergio Gurrola. Con Ángeles Pradar, Abián Vainstein, Isabella Ramírez. Duración: 80 minutos.  Coproducción Argentina-México.

XXX – LOS NIÑOS SIN NIÑEZ

La directora Paula Marcovitch es argentina radicada en México y filmó en Córdoba esta historia donde se fusionan la vida de las niñas de la calle con un hombre que decide quitarse la vida. Rara combinación de una pequeña de 12 años, Ángeles, que vende golosinas, junto a su hermana menor, con la amistad de un cincuentón dispuesto a quitarse la vida, al que encontraron en el estacionamiento donde trabaja.

La propuesta pone a la infancia frente a una decisión adulta que debiera espantar pero que, sin embargo, para Ángeles y su hermana es un hecho para acompañar, sin duda sin conocer el alcance de lo que sucederá. Mientras, el verano aprieta y Ángeles persuade a David (Abián Vainstein) para que den paseos con el coche que tiene y se diviertan. David las complace y promete a Ángeles darle el dinero que tiene y su celular.

La narración cautiva a partir de una sinrazón: la aceptación de un suicidio en un medio nihilista por parte de dos niñas que encuentran amistad sana con un adulto que no las lastima, sino que comparte esas últimas horas de vida complaciéndolas. Por la que la realizadora dispone su cámara para describir esos momentos de disfrute amable de unas horas de vida que terminarán muy pronto. Pocas locaciones, calles de tierra, construcciones a medio terminar, algún negocio, como si fuese un círculo por donde pasan una tarde tórrida los tres personajes. La directora capta con sutileza los gestos de Ángeles que parece tener un alma adulta, le duele la partida de David pero la acepta, ante la mirada más asombrada de su hermanita menor.

Es aquí donde el relato de Marcovitch logra centralidad, es decir, importancia social : la adultez de los niños de la calle no es buscada, es aprendida a la fuerza porque las carencias de tantas cosas, hasta de familia, los obligan a quemar etapas sin darse cuenta: se quedan sin niñez. Y, desde este punto de vista, el film de Paula Marcovitch duele porque muestra una realidad con una sencillez aplastante que nos rodea y por la que nadie hace nada para cambiar.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

AMOR EN LA GRAN CIUDAD

Dirección de Lee Eon hee, Fotografía de Kim Hyung joo. Mùsica de Primary. Con Kim Go eun como Jae hee y Noh Sang hyun como Heung soo. Basada en la novela de Sang Young Park. Duración:118 minutos. Corea del Sur.

XXX - FIEL RETRATO DEL AMOR JUVENIL ORIENTAL

Corea del Sur atrae con las propuestas musicales y cinematográficas que produce destinadas a un público muy siglo XXI que incluye a la comunidad LGBTQ*. Hay un modo de vivir, de sentir, de relacionarse en una ciudad grande en la que dos jóvenes deciden convivir para ayudarse mutuamente: Jae hee (Kim Go eun) es una joven que cursa estudios universitarios y se relaciona con Heung soo (Noh Sang hyun), un joven que admira a Albert Camus, estudia francés y esconde su elección sexual: es gay. Por distintos motivos, el rumor de su sexualidad se difunde siendo Jae hee quien lo ayuda conviviendo con él.

El film recorre distintas vivencias de estos jóvenes, desde la homosexualidad de Heung soo hasta las fiestas que comparte con Jae hee quien, de esta manera, lo encubre. La cotidianeidad vecinal es similar a la de cualquier barrio occidental, tal vez más exagerada por la fuerte sonoridad del idioma. Pero los sentimientos de los jóvenes son iguales a los de esta parte del mundo. La amistad que construyen Heung y Jae no difiere en nada de la amistad entre hermanos. Y tampoco de las dificultades que, en principio, aun en sociedades avanzadas, pueden sufrir quienes se deciden por otras elecciones de pareja.

Buena fotografía, actuaciones espontáneas, locaciones que muestran un nivel de vida un tanto superior al de cualquier joven de nuestro país, son el entorno de esta singular pareja de amigos.

El film tiene un target definido, especialmente porque habla de fraternidad haciendo hincapié en la desenfadada frescura juvenil, y escarceos amorosos para definir la sexualidad, algo así como un “coming of age” oriental, incluyendo la música rítmica que los convoca en grandes conciertos y los conceptos de familia comunes a todos los seres humanos. Es una película pensada para los jóvenes que comienzan a transitar los primeros peldaños hacia la adultez sean de donde fuere.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)  ZOOTOPIA 2, de Jared Bush  Byron Howard. animación sobre dos personajes que deben hacerle frente a un extraño que pone en peligro la vida en Zootopia. Es la continuación de las aventuras policiales de Zootopia, donde una comadreja, un zorro bravucón y una nutria se unieron en búsquedas y persecuciones varias. Es un producto de la factoría Disney.

 

2)  NO ALIMENTES A LOS NIÑOS, de Destry Allyn Spielberg.

Es el primer largometraje de una de las hijas del gran Steven Spielberg, entre apocalíptica y terrorífica. Los niños deben abandonar las tierras del Norte para marchar hacia las del Sur en busca de un lugar seguro luego de que todos los adultos hayan sido diezmados por un virus mortal. Pero no estarán exentos de peligros porque aparecerá una mujer que esconde algo muy peligroso y el que le crea, la pasará muy mal. La crítica ha sido dispar dada la violencia explícita que el film contiene, desde apuñalamientos hasta destripamientos y canibalismo ante los ojos del espectador. Muchos cuestionan la seguidilla de secuencias gore sin más sentido que el de dar golpes bajos, mientras que otros críticos se han detenido en las actuaciones destacando algunas en forma especial. A la hija de Spielberg se la encuentra debutando en el género que más le gusta a los jóvenes tenga la coherencia narrativa absoluta como no, porque lo que vale es lo que se quiere mostrar. Al que le guste el gore ya más como placer ancestral que como consecuencia de una historia, éste es el film.

ESTRENOS EN NETFLIX

De a poco vamos dando cuenta de algunas miniseries (son pocos capítulos y no sagas seriedas) de esta especial plataforma. En este caso se trata de:

HEWELIUSZ, producción de Polonia.

Se basa en el hecho real del hundimiento en el Bar Báltico de ese transbordador en enero de 1993, causando la muerte de 55 personas del total de 64 que estaban a bordo.

Para muchos, este hecho trágico es el segundo Titanic del siglo XX, hundimiento ocurrido el 13 de enero de 1993. Consta de 5 capítulos y solo en los dos primeros està filmado el terrorífico momento del hundimiento. El resto de los capítulos trata de profundizar en el drama de los familiares en tierra y de los 9 sobrevivientes y las consecuencias que tuvieron. Tiene una fotografía muy oscura por momentos, y, de alguna manera, su narración es atropellada. Està lejos del Titanic de James Cameron. Pero se deja ver para “maratonear” en alguna tarde de aburrimiento.

MANGO, película romántica

Mango es una producción de Dinamarca recientemente estrenada en Netflix que habla de la lucha por los negocios y el balance con el amor o rehacer la vida. Una emprendedora es enviada por su jefa a Málaga, España, a un resorte que tiene una vasta plantación de mangos (fruta tropical) con el objetivo de convencer a su dueño de que lo venda. Pero lejos està de èste la idea de vender tamañas tierras y plantaciones, y, mientras entre ambos se dan estas idas y venidas, también comienza a producirse un acercamiento espiritual que los hará replantearse a ambos la conveniencia de la lucha por el poder y el dinero y el amor y la familia.

Es más, de lo mismo, nada bueno bajo el sol, pero se trata de un film amable, agradable, con una espléndida fotografía, resultando placentero su visionado. De esta manera, se escapa a los productos de Hollywood que siguen basándose en armas, balaceras, persecuciones con sonoridad de estruendo. en Mango todo es apacible, y nada se sale de lo que puede ocurrirnos a cualquiera de nosotros en la vida. Vale la pena.

LA QUIMERA, CIEN AÑOS DE SOLEDAD, BAGMAN, ESTRENOS DE CINE Y NETFLIX DEL JUEVES 26 DE DICIEMBRE DEL 2024

 

JUEVES 26 DE DICIEMBRE DEL 2024

1.- BAGMAN, EL ESPÌRITU DEL MAL,de Colm MacCarthy.

Este film lo anunciamos hace un tiempo. Vuelve ahora porque, en su momento, se debió levantar el estreno. En líneas generales, la crítica internacional considera que regresa una historia bien conocida (El hombre de la bolsa que se llevaba, raptaba a los chicos), sin alcanzar mucha novedad en los gagas de terror. Algunos especialistas han apuntado que lo mejor del film está en el planteo de los miedos de todo ser humano, de sus ansiedades, tanto en relación al mito como no.

2.- SUSURROS MORTALES 2, por Taweewat Wamtka

ESTRENOS PREVISTOS PARA EL MES DE ENERO 2025

La lista es tentativa pero, en principio, hay que agregar “El silencio de Marcos Trammer” con Benjamìn Vicuña, y “La quimera”. También se anuncia un film navideño con Ben Stiller. Todo está por confirmarse pero aquí dejamos algunos títulos.

CRÍTICA DE “LA QUIMERA”

LA QUIMERA

Direcciòn y guion de Alicia Rohrmacher, fotografía de Helene Louvart, edición de Nelly Quettier, Mùsica de Jung Jae Il, con Josh O Connor, Isabella Rossellini, Alba Rohrwacher, Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Giuliano Mantovaini, ´Lou Roy Lecollinet, entre otros. Duraciòn: 130 minutos. Coproducciòn Italia, Francia, Suiza.

XXXX – FASCINANTE RELATO SOBRE EL AMOR ETERNO

Compleja y fascinante historia propone Alicia Rohrwacher en “La quimera”, habitada por personajes que provocan empatìa: desde el dolor por su condición social paupérrima hasta la alegría de la salvación por el amor.

La directora italiana sostiene que en La Quimera tuvo gran compasión por sus personajes sin dejar una mirada sociopolítica sobre la condición de los “robatumbas”, obligados a este quehacer para sobrevivir en una sociedad mercantilista que abusa hasta de aquello que acompaña a los muertos en sus tumbas.

La propuesta se centra en Arthur, interpretado por el inglés John O Connor, quien sale de la cárcel y regresa a la casa de su novia, que no está más en este plano, su Benjamina. Lo recibe la madre, Flora, encarnada por Isabella Rossellini que tanto se parece a su madre Ingrid Bergman, rodeada de las hermanas de Benjamina, y de Carol Duarte en el rol de Italia, una ayudante que intenta aprender canto con Flora. La anciana maestra vive en una casa antigua que se va derrumbando de a poco, hasta que habrá un cambio drástico cuando las goteras puedan más que los techos. Para Arthur, su camino es reunirse con los viejos amigos, seguir robando tumbas aunque con el objetivo secreto de encontrar ese lugar que le permita ingresar al mundo de los muertos y volver a abrazar a su Benjamina. Arthur tiene el don de ubicar pasadizos bajo tierra donde están las tumbas y sus tesoros.

En la producción de Rohrmacher hay una síntesis del sentimiento italiano cinematográfico, desde sus personajes pragmáticos pero sentimentales hasta la exuberancia de Fellini. Si Fellini en La dolce Vita mostraba una sociedad en decadencia, Rohrmacher apunta su cámara hacia lo miserable, a través de un personaje que se debate entre su accionar delictivo y su búsqueda del amor eterno.

Más italiano no pudo ser este film de Rohrmacher, que conoce el halago de los grandes festivales. La fotografía y la banda sonora (desde Monteverdi, pasando por Mozart hasta la Banda del Comitato y los cantores populares) sostienen la historia si bien es Arthur quien está por sobre los demás personajes y acciones, protagónico descollante del inglés Josh O Connor. Es, en definitiva, una película que deslumbra por su vastedad y nos sumerge en una historia difícil de describir pero absolutamente fascinante.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

CIEN AÑOS DE SOLEDAD

Dirección de Rodrigo García Bacha, Alex García López, Laura Mora Ortega. Fotografía de Paulo Pérez, Marìa Sarasvati Herrera, Con Diego Vázquez, Marileyda Soto, Claudio Cataño, entre otros. Miniserie de dos temporadas de 8 capítulos de 60 minutos de duración cada capítulo, en total 16 capìtulos.. Netflix.

XXX –DESANGELADA VERSIÒN AUDIOVISUAL DE UNA NOVELA ÌCONO DE NUESTRA LITERATURA

Desde hace unas semanas está en el gigante de las plataformas Netflix la esperada miniserie Cien años de Soledad, basada en la novela del colombiano Gabriel García Márquez que se publicó en Buenos Aires en 1967. La obra es una de las cumbres de la literatura latinoamericana, plena de personajes y locaciones típicas de finales del siglo XIX y comienzos del XX. El propio García Márquez se había negado en transformar su novela en una serie televisiva por la dificultad que existe en el trasvasamiento de una obra literaria a un medio audiovisual. En este caso, sus hijos dieron el consentimiento a Netflix, siendo uno de ellos director de cine y productor también de la miniserie.

La primera temporada tiene ocho capítulos iniciándose con la historia de la familia de la familia Buendía y de la ciudad de Macondo, la ilusión de encontrar el mar pasando la gran ciénaga, y la maldición que subsiste en el matrimonio principal formado por los primos José Arcadio Buendía y Ursula Iguarán, quienes no podrían tener hijos porque les saldrían con cola de monstruo. A lo largo de la obra pasan siete generaciones y culminará con la muerte de la matriarca, la que queda sola, viendo pasar a nietos y bisnietos, muertes y nacimientos.

Se invirtieron cerca de 50 millones de dólares y la primera temporada demandó dos años de rodaje recreándose el pueblo de Macondo.

En verdad, si bien se nota una notable inversión de producción, recreación de personajes, buenas actuaciones, la miniserie carece del espíritu del gran Gabriel García Márquez. Es una miniserie de época más. La prosa del escritor colombiano es vibrante, colorida, y en la miniserie la fotografía es la única que vibra a través del color: aqui falta pasión. Es una miniserie desangelada que no acapara la atención. “Gabo” tenía razón en su temor de pasar su novela a un medio audiovisual. No lo representa en su espíritu. Una oportunidad perdida y la prueba fatal es que no se convirtió en uno de los éxitos de la plataforma ni está entre las 10 más vistas. Mucho ruido y pocas nueces.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ESTRENOS PREVISTOS PARA ENERO Y FEBRERO

1.- SONIC THE HEDGEHOG 3. De Jeff Fowler. Con Jim Carrey.

2.- NOSFERATU, de Robert Eggers, con Willem Dafoe.

3.- BABY GIRL DESEO PROHIBIDO, de Halina Reijn

4.- HASTA EL FIN DEL MUNDO, Viggo Mortensen

5.-COMPAÑERA PERFECTA, de Drew Hancock, con Lukas Gage.

6.- AQUÌ, de Robert Zemeckis, con Tom Hanks.

7.- EL ROBO PERFECTO: PANTERA (DEN OF THIEVES 2)

8.-EMILIA PÉREZ,de Jacques Audlard.

9.- UN DOLOR MAL, de Jesse Eisenberg

10.- AHORA, de Sean Baker

TITULOS ESPERADOS EN EL 2025

1.- AVATAR 3, previsto para el 18 de diciembre del 2025

2.- Misiòn Imposible 8, prevista para mayo del 2025

3.- Capitàn América, un nuevo mundo, prevista para febrero del 2025

(Fuente: Cines Argentinos)

 

 

NO VA MÁS, PRISCILLA, MAESTRO, ESTRENOS DE CINE Y DE STREAMING DEL JUEVES 28 DE DICIEMBRE DEL 2023

JUEVES 28 DE DICIEMBRE DEL 2023.-

INFORMACIÓN DEL INCAA

Esta semana se incluye el estreno de La Burbuja, de Miguel Angel Rocca, sumada a las películas “Villa Olímpica”, de S. Kohan Esquenazi y “Chau Buenos Aires”, de Germán Kral, estas dos últimas ya comentadas en esta sección.

ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- PRISCILLA, de Sofía Coppola.

2.- LA SECTA DEL HIMALAYA, Tahilandia.

ESTRENOS NACIONALES

1- NO VA MÁS, EL DIABLO NO JUEGA A LOS DADOS, de Alñex Tossenberger.

CRÍTICAS

MAESTRO

De Bradley Cooper. Con Bradley Cooper, Carey Mulligan, entre otros. Guion de Cooper y Josh Singer basada en la biografía Leonard Bernstein. Fotografía de Matthew Libtique. Música de Leonard Bernestein y autores clásicos. NETFLIX

XXXXX – SOBERBIA BIOPIC CON UN DESLUMBRANTE COOPER

Bradley Cooper se supera a sí mismo: la personificación del genial Leonard Bernstein - el hombre que revivió los musicales de Broadway, y que fue, en sí mismo, una leyenda sintetizando las luces y sombras del mundo artístico de su época- es una obra maestra. Es una soberbia e irrepetible composición de un personaje icónico.

Cooper logró un protagónico que parece habérsele metido en su ADN. Por momentos, es el mismo Bernstein quien dirige en la ficción (tuvo al maestro Gustavo Dudamel como “coach”), es el mismo “Lenny” que padece su bisexualidad, es el mismo Leonard que se enamora perdidamente de una joven y linda actriz, Felicia Montealegre (nacida en Chile), encarnada por Carey Mullygan.

A partir de un blanco y negro furioso, asistimos al debut como director de orquesta en 1943 de Bernstein, pura casualidad, que le permitió desarrollar una de las carreras más brillantes de la música en todas sus expresiones, la de la dirección y la de la composición al mismo tiempo. También participamos de su pasión por su mujer, de su paternidad de tres hijos, y de su incontrolable homosexualidad.

Lejos de ser un melodrama, es una potente versión de la vida personal de Bernstein, en detrimento de una carrera profesional brillante. No obstante, los cabildeos por sus tentaciones sexuales ante su mujer y sus hijos muestran a un Cooper que maneja a la perfección esos sentires profundos, que no siempre se muestran. Cooper logra encontrar esa cuerda expresiva. También es apabullante en la dirección orquestal, a diferencia del personaje fallido como directora orquestal de Cate Blanchett en Tar (separamos esos momentos frente a una orquesta de la actuación en sí de la actriz australiana que fue un gran trabajo de composición actoral). Leonard Bernstein, tal como se lo vio en tantos videos que hoy se encuentra en la web y que, hace unos 30 años, circulaban en VHS entre los músicos del mundo, fue un apasionado y brutal director, exagerado hasta el paroxismo, y Cooper supo captarle esa impronta que, en el trabajo de un actor, es una sutileza expresiva surgid a de un fuerte trabajo de introspección. Se trata de gestos que duran milésimas de segundos, logrando Cooper “ser”, más que intepretar”, el mismísimo Bernstein.

La utilización de una fotografía en blanco y negro para luego pasar al color es un recurso técnico que ubicó en el tiempo los hechos que se narran. Pudo evitarse pero, en todo caso, lo sumamos como un acierto. No en vano, Bradley Cooper logró la producción de Martin Scorsese con el plus de la producción de Steven Spielgberg. Imposible ignorar a un Cooper entregado con alma y vida a la reconstrucción de un personaje exuberante y controvertido: una decisión profesional que enaltece al actor y director, que lo eleva al podio de los grandes de Hollywood. Para nosotros, una obra maestra que, hay que reconocerlo, gustará a quienes amen los musicales y, en especial, la obra del autor musical de “Amor sin barreras”.

Elsa Bragato

NO VA MÁS, EL DIABLO NO JUEGA A LOS DADOS

De Alex Tossenberger. Guion de alex Tossenberger y Julio Ordano. Fotografía de Mariano Cúneo. Música de Sergio Vainikoff. Con Carlos Portaluppi, Carlos Kaspar y Marcos Montes. Duración: 90 minuroa.

XXX TRES PERSONAJES EN BUSCA DEL TERROR

Resulta apabullante la actuación de Carlos Portaluppi como uno de los dos secuestradores de “Samuel” (Marcos Montes), supuesto empresario millonario: junto con Carlos Kaspar, que encarna a su compinche, logra un papel de una intensidad dramática apoteótica salvando muchos tramos demasiado oscuros y teatrales de esta propuesta de Alex Tossenberger.

“Eduardo” y su compañero (Portaluppi y Kaspar) secuestran a quien creen que es un millonario (Marcos Montes). Se enfrentarán a un hombre sagaz que, manejando el miedo de los dos delincuentes y el propio, va transformando la escena inicial (ronroneo de gato negro incluido) en un consultorio freudiano mientras se preanuncia que las cosas así no quedarán.

Esta película no es la primera donde Carlos Portaluppi muestra su enorme capacidad actoral. Pero en esta oportunidad la dirección actoral dio una vuelta de tuerca más sobre la personalidad artística del actor logrando momentos de profundo y arrasador dramatismo. Es sin duda “su” película por sobre el guion, muy teatral, y por sobre la resolución que resulta un tanto “flacucha” por cierta previsibilidad. Una propuesta diferente dentro del policial nacional, con solo tres personajes y una cámara malabarista que capta a través de close-up y planos medios y largos un texto poco novedoso aunque con personajes que sí marcan la diferencia. El “quid” está en la interrelación de tres hombres que alternan sus lugares de poder según las circunstancias.

Elsa Bragato