PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 30 de marzo de 2017

"POWER RANGERS", "HIPERSOMNIA", "POLINA, "HAMBRE DE PODER", ESTRENOS JUEVES 30 DE MARZO DEL 2017



JUEVES 30 DE MARZO DEL 2017.-
Varios estrenos con celebrities nacionales e internacionales. Entre los films que llegan está el documental “Extramuros”, de Liv Zaretzky, quien nos relata la vida de Miguel Angel Molfino, escritor y periodista que adoptó “la ciudadanía” chaqueña, y sobrevivió a cinco años de cárcel durante la última dictadura militar.
HIPERSOMNIA
De Gabriel Grieco. Con Yamila Saud, Gustavo Garzón, Peter Lanzani, Gerardo Romano, Sofía Castiglione, Flor Torrente,  entre otros. Montaje de Alberto Ponce. Música de Diego Hensel. Duración: 90 minutos.
XXXXX- ENTRE DOS VIDAS
Las películas argentinas de género vienen creciendo en calidad en todos los aspectos: guion, técnica, actuaciones. Es el caso de “Hipersomnia” que logra atrapar al espectador a través de una historia especial, bien contada, donde el pasado y el presente van armando la narración de manera fluida, comprensible y aterradora. Esto también nos habla del excelente trabajo en el diseño de arte.
“Milena” (Yamila Saud) aspira a un buen papel en el teatro, y concurre a la audición que conduce “Federico del Pino” (Gerardo Romano) pero de manera inconciente se ve atrapada en un estado paralelo donde muchas mujeres son prostituidas. Este ida y vuelta narrativo no confunde, uno de los excelente logros del realizador Grieco, sino que profundiza en la psiquis del personaje femenino y de un pasado que evidentemente la condiciona aunque lo haya negado. Hipersomnia alude, subjetivamente, a ese estado de adormecimiento permanente, uno de los trastornos del sueño, que, en este caso, llevan a “Milena” hacia un mundo horroroso del que trata escapar. De alguna manera, vimos algo parecido –no igual- en “El cisne negro” que le dio el Oscar a Natalie Portman como mejor actriz.
Dejando de lado esta suerte de comparación, el film de Gabriel Grieco transcurre ágilmente con una tensión creciente donde el thriller inicial se transforma en horror, incluyendo sus variantes gore.
Es un muy buen trabajado cinematográfico para fans del género que manifiesta el crecimiento de este género en el cine nacional, donde ya hay varios exponentes internacionales, mencionamos solo uno: Daniel de la Vega. Si le gusta el buen terror, no se la pierda.
Elsa Bragato
POWER RANGERS
De Dean Israelite. Con Bryan Cranston, Elizabeth Banks, RJ Cyler, Naomi Scott, Ludi Lin, Dacre Montgomery, Becky G. entre otros. Música de Brian Tyler. Duración:  124 minutos.
XXXXX- REGRESO DE LOS CHICOS PODEROSOS
Se viene la saga de los Power Rangers. Conquistada y superada la televisión luego de la serie exitosa, tenemos a cinco jóvenes que recibieron poderes de modo casual y anónimo. Viven en Ángel Grove, pueblo bañado por las aguas cuasi mágicas de un lago, y tienen la firme intención de salvar el lugar y a toda la Humanidad de un ataque alienígena de 65 millones de años, surgido en el período mesozoico.
Para armar un compacto bastión de audacia y heroísmo, deben amalgamar sus diferencias: cada uno de los chicos representa una raza tales como la oriental, la afroamericana y la blanca, en la que hay dos mujeres. Un combo para aceptación de todos, basado en conceptos generales de las razas humanas.
El malvado es Zordon (Bryan Cranston), sumo y último alienígena, imposibilitado de traspasar una barrera transparente. Pero se vale de la malévola Rita Repulsa (Elizabeth Banks) para destruir a los humanos comenzando por el otrora pacífico  pueblo Ángel Greve.
Nuestros cinco héroes son el Ranger Rojo (Dacre Montgomery), la Ranger Rosa (Naomi Scott), EL Ranger Azul (R.J.Cycler), la Ranger Amarilla (Becky G) y el Ranger Negro (Ludi Lin).  Todos ellos tienen personalidades disociativas, que deben superar para poseer la plenitud de los poderes.
Dean Israelite filma con solidez un “cuento” conocido por muchos gracias a la tevé, sostenido por una atrapante fotografía, donde no le van en zaga el montaje, la música y la dirección actoral, base del atractivo de estos “poderosos adolescentes”. Al elenco de nuevos actores se añade la solvencia de Bryan Cranston y Elizabeth Banks, en roles de malvados sin atenuantes. Obviamente la apuesta es para los adolescentes, o preadolescentes, y para todos aquellos que se criaron con esta serie. Acercarse a la pantalla grande para volver a verlos, es más que tentador porque los efectos son fantásticos. Es un reencuentro de público y personajes. Para quienes no tuvieron nunca interés en estos superhéroes, la película de Israelite es una más con diálogos demasiado sencillos, escasa profundidad, y mucha previsibilidad. No obstante, para uno y otro público, el film es un buen producto de entretenimiento. La picardía de los productores es otro atractivo: en la última media hora, hay una batalla fulgurosa entre “Rita” y los chicos superpoderosos, a todo o nada, con efectos alucinantes, que incluye un monstruo dorado, gigantesco y atronador, que hace saltar de la butaca.
La apuesta de Hollywood va sobre seguro: ya se piensan siete secuelas más. Es decir, “Power Rangers”, “reboot” de la tele, tiene un público cautivo que no va a desaprovechar la oportunidad de verlos en la pantalla grande.
Carlos Pierre
POLINA
De Angelin Preljocab. Guión de Valerie Müller, según el comic-book de Bastien Vivés. Con Juliette Binoche, Niels Schneider, Miglen Mirtchev, Aleksey Guskov, Marie Kovacs, Nastya Shevtzoda, entre otros. Música: 79D. Duración 112 minutos. Hablada en francés y ruso.
XXXXX- RETRATO DE UNA PASIÓN
El realizador Angelin Preljocab, bailarín y coreógrafo de origen albano nacido en Francia, se sintió fuertemente impactado por la historia de la bailarina rusa, Polina, surgida de un comic-book. El guion de Valerie Müller dio vida tridimensional a la protagonista, cuya historia gráfica fue publicada en diez idiomas.
Los puntos en común entre la ficción y su propia vida llevaron a Preljocab a transformarse en director de su primer largometraje: el esfuerzo de Poline por ser bailarina, sus estudios desde los 8 años, el entrenamiento en el Teatro Bolshoi de Moscú, el ingreso al cuerpo de baile, y el amor que surge con un compañero francés, cambiando su vida para siempre. Ambos se aman y viajan juntos por Francia, siempre con la danza como meta, enfrentando escuelas diferentes. El Bolshoi, uno de los grandes ballets del mundo que visitaron nuestro país, es muy riguroso y clásico, mientras que la escuela francesa está menos atada a ciertas reglas, es más moderna y, si bien tiene rigor, éste no es excesivo.
La bella y estupenda Juliette Binoche compone a la instructora francesa que exige cambios y esfuerzo a Polina, quien se esmera al máximo porque está convencida de su pasión por la danza a pesar de sus fragilidades. La niña-mujer tiene el fuego sagrado para esta profesión y un indeclinable tesón. Está sostenida por su familia, especialmente por su padre, quien hace lo imposible para que su hija cumple con su sueño, aún aceptando trabajos “non sanctos”.
Historia de obstinación, resistencia, de tesón, de perseverancia, que resulta conmovedora y atrapante al mismo tiempo porque, de esta narración, surge también la pasión del realizador Preljocab, conocedor del entramado de un arte clásico muy difícil. El entorno de Polina, tal como lo imaginó su creador gráfico y luego el director de cine, tiene la magia que se requiere: desde la bohemia y la luz de París hasta los paisajes nevados de Rusia, lugares y épocas en las que Polina va transcurriendo su vida, niñez, adolescencia y adultez. Es un retrato profundo de una pasión, enriquecido por la fotografía de Georges Lechapto, en claroscuros dignos de los pintores renacentistas.
Por sobre la historia de Polina y la propia vida de Angelin Preljocab está el clima logrado, aún con simplicidad clásica, que nos permite vivir las idas y vueltas de la danza a través de una protagonista plena de convicción y dulzura. Como aquella película “Elliot”, de origen inglés. O al memorable “Bolero” de Ravel bailado por el argentino Jorge Donn. No se la pierda. Es un film grato.
Carlos Pierre
“LA VIGILANTE DEL FUTURO. GHOST IN THE SHELL”
De Rupert Sanders. Con Scarlett Jhanssn, Pilon Asback, Juliette Binoche, Takeshi Kitano entre otros. Edición de Neil Smith y Billy Rich. Música de Lorne Balfe y Clint Mansell. Duración: 107 minutos.
XXXXX- CYBER POLICIAL… SOLO CÁSCARA
Masamune Shirow es un artista contemporáneo japonés famoso por sus “mangas” o historias. Entre ellas, las dos “Ghost in the Shell”, cuya traducción literal sería “el alma dentro de la cárcara/caparazón”. Profundamente convencido de que el alma está en un cuerpo que no siempre le es útil, Shirow se interna en el estudio psicológico de la conjunción máquina-hombre y sus consecuencias éticas, dentro de un mundo manejado, en gran medida, por computadoras.
El film del inglés Rupert Sanders  (su único largometraje anterior fue “Blancanieves y el cazador”) intenta atrapar esta sutileza del pensamiento de Shirow a través de la protagonista “Major” (Scarlett Johansson), una cybermujer salvada de esta manera luego de un terrible accidente. Ahora responde a la seguridad nacional como soldado que atrapa a los más poderosos criminales. El peligro mayor es el de los “ghost-hackers”, o sea los “hackers” de las mentes. Y solo “Major” puede detener esta “masacre” cerebral del mundo, de la que aún ella misma no sabe si se ha salvado.
La ambientación del film de Sanders es “cyberpunk”, con una rabiosa computarización y tecnología que inundan la pantalla con efectos muy logrados pero, en definitiva, previsibles porque son más de lo mismo.Tapan, desmerecen la narración y esencialmente el concepto de alma-cuerpo-cáscara que el japonés Shirow tiene. Todo se pierde en una parafernalia de tecnología que avasalla la visual pero no conmueve. Estamos frente a un producto tan tecnológico que se pierde el asombro, se torna artificial y, aún con la espléndida Scarlett Johansson y su “rehacer” continuo, poco es lo que queda para “aprehender” de la historia en sí.
 De todas maneras, las preguntas están: la inteligencia artificial y su importancia o no para el futuro de la Humanidad, el “ghost” (fantasma) que da identidad a cada persona, entre otras. Si uno quiere pensar un poco más allá del film, hay que ir a la filosofía postsocrática, a Platón y comenzar por entender qué nos dijo con el mundo de las Ideas y las meras sombras que somos. Aquella caverna y este cuerpo de cybermujer, las ideas virtuales y la copia en el “ghost” propuesto por Shirow. Es decir, complejidad filosófica puede haber, solo que la película se deja llevar por la complejidad tecnológica y deja de lado la del ser humano y su dualidad alma-cuerpo internándose en una cacería virtual cyberpolicial. Subyace, ciertamente, la idea original, pero es solo eso. Mucha cáscara… para entretener.
Elsa Bragato
HAMBRE DE PODER
De John Lee Hancock. Guión Robert D. Siegel. Con Michael Keaton, Laura Dern , Nick Offerman, John Carroll Lynch, Patrick Wilson, Ric Reitz, Wilbur Fitzgerald, entre otros. Música de Carter Burwell, duración de 115 minutos. XXXXX- CÓMO SER UNA SUPEREMPRESA
En los años 50 se desató en Estados Unidos gran euforia social a cinco años de la Segunda Guerra Mundial. Este optimismo del triunfo produjo un mayor consumismo por lo que el capitalismo logró su apogeo ante la demanda de productos. Nadie se conformaba con migajas sino que se exigía excelencia en todo.
El realizador John Lee Hancock traza la historia de la industria de la comida rápida creada por los hermanos Dick y Mac McDonald con énfasis puesto en la biopic de Ray Kroc (Michael Keaton), pequeño empresario de Illinois casi en bancarrota. Era vendedor ambulante de batidos culinarios que tuvo la intuición y necesidad de conocer a los hermanos McDonald, dueños de un restaurante de “comidas rápidas” próspero en el sur de California. Visionario, Ray Kroc se interesó por hamburguesas, papas fritas y gaseosas, convirtiéndose en socio de los McDonald, creando además la marca Los Arcos Dorados.
El comienzo no le fue fácil, el tema de las franquicias y la pasividad y conformismo de los hermanos McDonald no mellaron su tesón, y no dudó en oscilar entre ser buena persona y otras veces un auténtico cretino. Avanzó sin tregua y rehizo su vida junto a una mujer más ambiciosa que él.
La elección de Michel Keaton no ha sido azarosa. Es dueño de una energía superlativa, de una manera de pararse frente a la cámara muy diferente como lo demostró en “Birdman”. De alguna manera, algunos puntos de la vida de su personaje lo tocan: la perseverancia, el no bajar los brazos y el lograr una nueva oportunidad laboral, aunque con medios distintos.
El film de Hancock va más allá y muestra, a través de los personajes, el implacable y frío mundo de los negocios, donde las personas son números y la falta de escrúpulos es la “ética” valorada, con excepciones por cierto. Ser arrollador y perseverante conlleva, en ese mundo de los actuales CEO, carencia de sensibilidad social. Todo son números y ganancias. Bajo esta premisa, se mueve este personaje que encuentra en Michael Keaton al actor indicado. Casi calvo, regordete, bastante bajo, Keaton pudo meterse en la piel de Kroc sin dudar: de su capacidad actoral y no de su “galanura” dependió su excelente trabajo. El tema puede no atraernos, pero sin duda, el patio de atrás de los negocios no queda impune gracias a la cámara de Hancock quien lo desnuda sin concesiones. Los “trapitos sucios” de una megacompañía internacional de comidas están sobre el tapete. Y, como contrapartida, el valor de esta empresa para solucionar la alimentación básica de millones de personas en todo el mundo.
Carlos Pierre


jueves, 23 de marzo de 2017

"LA BELLA Y LA BESTIA", "LIFE VIDA INTELIGENTE", "ENTRE NOSOTRAS", ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 23 DE MARZO DEL 2017



JUEVES 23 DE MARZO DEL 2017.-
Varios estrenos que incluyen films que solo se vieron hasta ahora en el último festival de cine de Pinamar. Entre ellos, la película dirigida por Fernán Mirás “El peso de la ley”. Además se estrenan “La academia de las musas” del catalán José Luis Guerín, que nos cuenta la vida de un profesor, casado con una mujer mayor, quien “inventa“ una “academia de las musas”  con varios objetivos, incluso personales. Uno de ellos es que, en el mundo, reine la poesía. “Mate-me por favor” de Anita Rocha Da Silveira, film brasileño, muestra el despertar sexual de los adolescentes en Barra de Tijuca donde hay una ola de femicidios. Ingresa en el subgénero del “slasher”. También se puede ver “Cuba Santa”, el documental de Alejandra Guzzo, quien entrevista a científicos y personas comunes de Cuba para adentrarse en la religión “Yoruba” y el por qué de la fe en esa religión.
LA BELLA Y LA BESTIA
De Bill Condon. Con Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen, Kevin Kline, Josd Gad, Audra McDonald, Stanley Tucci, entre otros.Música: Alan Menken. Duración: 123 minutos
XXXXX –CUENTO QUE ENAMORA Y GRATIFICA
El realizador Bill Condon (Crepúsculo, partes 1 y 2) adaptó para actores de carne y hueso, o sea para imágenes reales, la memorable animación “La bella y la bestia” de 1991 de Walt Disney Pictures. Hay dos antecedentes premiados y exitosos: “La Cenicienta” y “El libro de la selva”, un derroche de ternura y tecnología. En los tres casos, hubo aciertos. En el caso que nos ocupa, se trata de una adaptación del cuento de hadas de Jeanne Marie Leprince de Beaumont, del siglo XVIII.
Clásico, aunque con “modernidades” tecnológicas, “La bella y la bestia” derrama una recreación visual fascinante. Hay que añadir, que a los puristas de la animación estas versiones con elencos reales no les gusta mucho. No es nuestro caso. A través de estupendos escenarios, de actuaciones y canciones muy bellas del compositor Alan Menken, asistimos a una historia de amor inusual: la Bella es Emma Watson (aquella pequeña gran actriz de “Harry Potter”) quien va al castillo a salvar a su padre encontrándose con el príncipe Adam, presa de un malvado hechizo que lo convirtió en Bestia (Dan Stevens. Ágata, la Hechicera (Hattie Morahan), transformó todo el palacio en sillas, vajilla, vivientes.
Emma Watson demuestra que está a la altura del rol y que tiene notables aptitudes histriónicas como que canta sin doblaje las canciones, con voz pequeña y afinada. Mérito superlativo de la actriz de 26 años. La acompaña un elenco, una verdadera pléyade de celebridades, conformado por Emma Thompson, Ewan McGregor, Kevin Kline, Stanley Tucci, Luke Evans, entre otros, soportes valiosos de este cuento de hadas que invita a soñar.
Una remake siempre despierta alguna que otra crítica mezquina. Pero, todo es según desde el ángulo en el que se mire: apostamos a una abierta aceptación de los cambios que el tiempo y la tecnología traen. El resultado logrado es, a todas vistas, fresco y vigorizante, con un enorme esfuerzo de producción como nos tienen acostumbrados los Estudios Walt Disney.
Estamos frente a una historia de amor que tiene tres siglos, y que el cine logra poblarla de fantásticas escenas, frescas y vigorosas, incluyendo a la malvada hechicera que interrumpe la idílica narración, un pretendiente inescrupuloso de Bella mientras una Bestia se muestra déspota hasta que el amor roza su corazón. Luces y sombras en un cuadro narrativo de magia y ensoñación. El gélido castillo, el cálido poblado rural, los queribles tetera, candelabro, reloj, plumero y armario, que comparten con Bella su vida en el ala este del castillo, cuando aún la Bestia no cayó rendido por Cupido y rumia en el ala oeste la desazón por el hechizo, recluido y solitario.
El paso de la animación a la comedia musical, con un elenco de verdaderos actores y actrices, no hizo mella en la historia sino todo lo contrario. Para quien ame pasar un momento diferente, se deje llevar por las melodías que cuentan con una orquesta admirable, “La Bella y la Bestia” es un cuento de amor que fascina, hipnotiza con sus valses y deja el alma contenta.
Carlos Pierre
LIFE-VIDA INTELIGENTE
De Daniel Espinosa. Con Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Olga Dihovichnaya, entre otros. Música de John Ekstrand. Fotografía de Seamus McGarvey.
XXXXX – PELIGRO EN EL COSMOS  
De acuerdo al suspenso que la película ‘Life-Vida inteligente’ de Daniel Espinosa crea y al “tempo” de sus secuencias habría que calificarla con una estrellita más. Nadie se despega de la butaca. Hace bajar el puntaje el tema, que es conocido, resultando en cambio muy interesante el tratamiento que le da el realizador a la historia. Allí está el quid de este film que, aún con aliens que conocemos a través del cine y la tecnología, logra mantenernos sin aliento la larga hora y media del film.
Seis tripulantes de la Estación Espacial internacional deben recuperar material extraído en el planeta Marte que se perdió en el Cosmos y que está girando alrededor de la Tierra como ellos. Al recuperarlo y analizarlo, descubren algo asi como una ameba aparentemente muerta. Al rodearla de las condiciones iniciales atmosféricas de la Tierra, revive y empieza a crecer.
Realmente es fascinante la filmación más allá de la remanida idea central del guión. El monstruo crece y necesita alimento. El suspenso se hace intenso, los sustos también, así como las consecuencias de reanimar en un laboratorio espacial un ser de otro planeta cuyo sistema vital es desconocido. Nada es diferente, salvo la forma de contarla que encara el director Espinosa, sin histeria y con secuencias bastante lentas, en las que los tripulantes tratan de analizar qué harán para salvarse y, en todo caso, llegar a la Tierra sin el alien adosado a la estación espacial o dentro de ella.
Sin ahondar, surgen otros temas tales como cuánto puede soportar el cuerpo humano la vida en el Cosmos, en una estación espacial confortable. O cuánto deterioro se produce por la absorción de radiación pasado cierto tiempo, o bien si con ese deterioro palpable es mejor permanecer en el Cosmos hasta morir o regresar a la Tierra con escasas posibilidades de vida.
Es puro entretenimiento muy logrado. Hay oficio y sinceridad en el relato. Sin innovación en los clishés del género. Tiene un muy buen elenco, encabezado por Ryan Reynolds y Jake Gyllenhaal y una banda sonora estentórea, acuciante, de fuerte impacto en la audiencia. Todo calculado, incluso escenas muy fuertes de muerte a manos del “alien”, llamado “Calvin”, que pueden impresionar  y disgustar. Para los fans del género.
Elsa Bragato
DOS PELÍCULAS SOBRE LA ELECCIÓN SEXUAL FEMENINA
Curiosamente, se ofrecen dos films donde se aborda la temática lésbica desde un lugar diferente: la vida de mujeres con hijos, con un pasado, la elección sexual luego de una desilusión, la subordinación de una de ellas a la otra, las tentaciones de la vida cotidiana que hace tambalear la elección realizada.
ENTRE NOSOTRAS
De María Tognazzi. Con Margherita Buy, Sabrina Ferilli, Fastuo Sciarappa, Domenico Diele, entre otros. Música de Gabriele Roberto. Duración: 102 minutos.
XXXXX – EL SOMETIMIENTO
María S. Tognazzi es la cuarta hija de quien fuera afamado actor italiano, generador de grandes éxitos. En este film vuelve a convocar a la excelente Margherita Guy como hizo en la anterior película, “Viajo sola”. La historia nos cuenta la vida de dos mujeres de alrededor de 50 años, la arquitecta “Federica” (Buy) y la ex actriz “Marina” (Sabrina Ferilli). Esta última es dominante y siempre supo que era lesbiana mientras que “Federica” tuvo marido e hijo, y “Marina” es su primera pareja lésbica.
La directora Tognazzi no se regodea en ninguna escena sexual sino que muestra la vida cotidiana de dos profesionales, una va a su estudio, la otra analiza la posibilidad de volver al cine. Para “Federica” es una vida que nunca se imaginó y la tentación masculina llega de manos de “Marco” (Sciarappa), un conocido de los tiempos de estudio. “Marina” no está dispuesta a aceptar la infidelidad de “Federica”, y lucha con todas sus fuerzas para salvar la pareja. “Federica” es sumisa, inteligente y está confundida.
La historia plantea, entonces, aspectos interesantes de la convivencia: quién ejerce el dominio sobre el otro, si estos roles son interactivos o bien será una de las dos la que maneja la situación, la culpa, la confusión, el pasado que vuelve, la posibilidad de rehacer la vida como antes, o aceptar un presente diferente en el que el sometimiento tiene mucho que ver.
Margherita Buy compone su rol con excesiva sumisión, por momentos no creíble, mientras que Sabrina Ferilli se adueña del personaje “Marina” haciéndolo creíble. Contraste entre pasado y presente para ambas mujeres, el final es el menos adecuado y donde el esfuerzo narrativo decae completamente.
Elsa Bragato
DOS NOCHES HASTA MAÑANA
De Mikko Kuparinen. Con María Josée Croze, Mikko Nousiainen, Arly Jover. Duración: 90 minutos.
XXXXX – LA INFIDELIDAD
Mikko Kuparinen, director finlandés, coincidentemente con María Tognazzi, toma el caso de una arquitecta que viaja por trabajo a la capital de Lituania, donde tiene un encuentro sexual casual con un DJ finlandés que va y viene de Dubai. Skype la mantiene en contacto con su pareja, que está en París. Por diversas circunstancias, este encuentro sexual deriva en muchos más y de una noche, la protagonista “Caroline” (María Josée Croze) permanece un día más esperando ver al día siguiente a su pareja.
La tecnología aparece como el tercero en discordia: el celular de “Caroline” es escrutado por “Jaakko” (Mikko Nousiainen) encontrando fotografías de muchos otros hombres durmiendo, presuntamente “escapadas” de “Caroline”, incluyendo su propia foto. Y el Skype es el medio de comunicación entre “Caroline” y su pareja parisina. Causalidades, circunstancias, un hotel repleto de turistas sin más habitaciones, Jaakko presente siempre, conspiran para que el regreso de “Caroline” a París se concrete.
El planteo narrativo se centra, justamente, en “Caroline”, en su gestualidad, donde la actriz Croze muestra, una vez más, su enorme capacidad interpretativa. Sin mayores exteriores, un hotel en Lituania y un cuarto sirven para explicarnos que “Caroline” quiere y no quiere la relación que tiene.
En este sentido, las dos películas que esta semana tratan el tema lésbico indican que hay una de las dos mujeres no convencidas totalmente de su elección, o al menos que dudan o no se sienten satisfechas, buscando opciones que no siempre salen bien. El planteo de la fidelidad es muy claro. Y la oportunidad de rehacer la vida también tanto como enfrentar la soledad, la culpa y la aceptación del propio error.
Elsa Bragato
CHIPS, PATRULLA MOTORIZADA RECARGADA
XXXXX – VERGONZOSA ADAPTACIÓN
Las series norteamericanas solían inundar las pantallas de los canales de aire en los 60, 70 y 80. Luego la ficción nacional les ganó el espacio y hoy las tiras turcas. Entre esas series, estuvo "Chips, patrulla motorizada”, encarnada por la dupla actoral que conformaron Larry Wilcox y Erik Estrada. Una primera película del 98 rescató la serie del olvido, dado que su última temporada fue en 1983, “Chips 99” (Chips es una sigla “arreglada” de California Highway Patrols). Dax Shepard, quien dirige y compone a “Baber”, el longilíneo californiano desaforado que intenta recuperar a su esposa, tomó la base de los dos agentes motorizados y destruyó el resto, la idea original, los diálogos, todo. Ubicó a su compañero “Poncharello” (Michael Peña) en Miami, cinco horas de diferencia, con una misión del FBI para encontrar a los corruptos policiás que están en California.
El mal gusto, la escatología, los diálogos basados en las experiencias sexuales de “Ponch”, quien muere por las mujeres bien torneadas y los pechos turgentes, así como otras “delicadezas”, asquean, repugnan, y no arrancan ni una sonrisa (bueno… tal vez una o dos). Persecuciones, destrozos varios, explosiones, lenguaje soez, caracterizan a esta supuesta “síntesis” de la serie famosa de los 70-80 con evidentes connotaciones discriminatorias hacia los latinos y una misoginia avasallante. Erick Estrada hace su aparición, pero siempre dentro de una escena que encierra el concepto de lo burdo y desagradable. Mal momento para el que amamos el cine.
Elsa Bragato