PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

AQUÍ ESTÁN NUESTRAS CRÍTICAS E INFORMACIÓN GENERAL SOBRE CINE

jueves, 24 de septiembre de 2015

"TRUMAN", "TRANSYLVANIA 2", "PASANTE DE MODA", ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 24 SETIEMBRE



JUEVES 24 DE SETIEMBRE DEL 2015.-

Nueve estrenos se suman a los existentes, con cambios de salas y algunas películas fuera ya del circuito. Entre ellas está la francesa “Edén”, de Mia Hansen-Lave, cuarto film entre romántico y musical que nos cuenta la vida de un DJ de los 90 en Francia basado en la vida del hermano de la realizadora. Una película que atrapa y fascina. Además, “Eliminar amigo”, el film de terror semanal, de L. Gabriadze, donde la tecnología tiene mucho que ver: vía Skype, seis adolescentes reciben la amenaza sobrenatural de una amiga que se suicidó luego de que un video suyo fuese subido a la red. El “Cyberbulling” es el centro de esta historia que renueva el género. Hay dos películas nacionales: “Si estoy perdido, no es grave” de Santiago Loza, avezado director nacional (“Los labios”), filmada en su propio ámbito, conociendo extranjeros, rodando, charlas, nostalgia. Experimental, con desniveles. Y “Eso que llaman amor”, de Victoria Miranda, con importante elenco, sobre justamente el amor y el desamor, la obsesión por la maternidad, y los encuentros y desencuentros entre jóvenes parejas.

TRUMAN

Guión y dirección de Cesc Gay. Con Ricardo Darín, Javer Cámara, Dolores Fonzi, Eduard Fernández, José Luis Gómez, entre otros. Música de Nico Cota y Toti Soler. Duración: 108 minutos. Coproducción España-Argentina.

MUY BUENA. DARÍN EN UNA EMOTIVA HISTORIA

Cesc Gay es un gran realizador catalán que nos sorprendiera hace bastante tiempo con “Krámpack”, entre otros films. En este caso, se basa en una historia que conoció por lo que la narración tiene una sostenida emoción. El guión toma la vida de un actor argentino que padece un cáncer terminal, abandonando todos los tratamientos para morir como él desea, en forma digna. Pero tiene un perro, Truman, y su gran preocupación es con quién lo va a dejar. Un amigo suyo lo visita, el gran Javier Cámara, llegando desde la lejana Winnipeg, Canadá, para acompañarlo en este trance y despedirse. “Juliàn” (Darín) tiene un hijo que vive en Amsterdan y hasta allá va para darle un último adiós veladamente, aunque desconoce que su hijo está al tanto de lo que su padre sufre. Una allegada, compuesta por la eficiente y bella Dolores Fonzi, se ve atrapada en este círculo de angustia y drama.

En primera instancia, estamos frente a un melodrama teñido con cierto humor negro, muy dosificado y alivianado por las salidas ingeniosas de Ricardo Darín, lográndose un equilibrio en el desarrollo de la triste historia. La contrapartida, el bálsamo, está en el rol de Javier Cámara, portador de bálsamo de tanto enojo interior por la suerte de su amigo.

Darín-Cámara conforman una dupla actoral encomiable, con una simbiosis, una química perfecta, plagada de simpatía que llega al corazón del espectador. Cesc Gay, experto en historiales corales, logra en solo dos protagonistas soberbios, la medida exacta para una narración sólida e impactante en su sencillez y profundidad.

Como dato anecdótico, Troilo es el verdadero nombre de Truman, que falleció tres meses después de la filmación. Era un perro entrenado para acompañar a niños autistas. En las presentaciones que Ricardo Darín hizo para la prensa estuvo acompañado por la hija de Truman, que es indiscutible y querible tercer protagonista del film. Enorme actuación de Ricardo Darín como “Julián” en un papel diferente, todo un desafío para su carrera, que deslumbra por la emoción y el carisma de este gran actor nacional.

Carlos Pierre

HOTEL TRANSYLVANIA 2

De Genndy Tartakovsky. Voces de Adam Sandler, Andy Samberg, Selena Gómez, Kevin James, Steve Buscemi, Mel Brooks, entre otros. Música de Mark Mothersbaugh. Duración: 89 minutos.

MUY BUENA. ALEGRÍA DESBORDANTE ENTRE VAMPIROS

Fantástica secuela de Hotel Transylvania. Pleno de alegría y de momentos divertidos es este film que cuenta con la voz de Adam Sandler y la de Mel Brooks en el rol del padre de Drácula.

 El hotel tuvo varios cambios desde que Mavis, la hija de Drácula, conoció a un “humano”, Johnny. La boda es una de las hermosas secuencias iniciales, plagada de freaks, que hacen lo imposible para agradar al esposo. Llega el primer hijo de la pareja, Dennis, a quien el entrenamiento del abuelo Drácula para convertirlo en vampiro no da el resultado que se espera. Pero habrá un momento especial en el que todo será normal para humanos y freaks. Otras secuencias más que simpáticas son el encuentro de los padres humanos de Johnny con los vampiros, la visita de Johnny ya casado a sus padres y de qué modo éstos quieren congraciarse con los monstruos.

Divertido, disfrutable, es una de las mejores películas para chicos y grandes que hemos visto junto a la saga Madagascar y Mi villano favorito. No se la pierdan!

Elsa Bragato

PASANTE DE MODA

De Nancy Meyers. Con Robert De Niro, Anne Hathaway, Rene Russo, Anders Holm, Adam Devine, entre otros. Música de Theodore Shapiro. Duración: 121 minutos.

BUENA. DE NIRO NO SE JUBILA… POR SUERTE

Agradable comedia dirige Nancy Meyers, la misma realizadora de “Enamorándome de mi ex” o de aquella estupenda “Qué hablan las mujeres” con Mel Gibson, entre otras. Como mujer, maneja los sentimientos femeninos perfectamente, aunque a veces abuse de esta capacidad con secuencias demasiado extensas.

En “Pasante de Moda”, Robert De Niro compone a un jubilado de 70 años, viudo, que llena su tiempo libre con varias tareas pero no logra sentirse satisfecho. Se presenta a un casting de adultos mayores para una empresa de ropa femenina por internet, y es aceptado. Así conoce a la jefa, una mujer joven y emprendora, Jules (Anne Hathaway), que está sobrexigida y con un matrimonio con una bella hija pequeña, que está en crisis. “Ben Whittaker” es el personaje de De Niro quien se aleja de los roles frenéticos que ha compuesto para meterse en la piel de un hombre común, de sonrisa fácil, de pasiones contenidas, y de enorme comprensión.

En este sentido, da la impresión de que el rol le queda chico al grande de De Niro, sobrepasa ampliamente a su personaje, quedando entrampado en la piel de “Ben”. Sin embargo, compone un personaje entrañable y conmovedor. Anne Hathaway vuelve a los protagónicos de su primera etapa en el cine, romanticona, exitosa, con parlamentos muy extensos. La realizadora Nancy Meyers pierde el timing de la narración, alargando secuencias con diálogos bastante “clishé”. Por suerte, no es previsible su desenlace ni su final y esto salva al film. Es una comedia muy agradable, con un Robert De Niro diferente, atildado, elegante, y una buena composición de Hathaway en personajes cuya estructura interior conoce muy bien.

Elsa Bragato

LA ESPUMA DE LOS DÍAS

De Michel Gondry. Con Romain Duris, Audrey Tautou, Gad Elmaleh, Omar Sy, Aissa Maiga, entre otros. Música de Etienne Charry. Duración: 125 minutos.

REGULAR. CATARATA DE METÁFORAS

“La espuma de los días” es una fascinante y esquizofrénica historia, una apuesta al diseño de arte exacerbada, que logró el Premio César 2013 en ese rubro. Falta la emoción.

Se basa en un romance fantástico con un marcado acento surrealista. Una pareja, alocada y luminosa, a cargo de Audrey Tautou y un carismático Romain Duris, transita todas las etapas del amor en sucesión de imágenes plásticas y bizarras. A manera de “espuma” de las cosas más disímiles. El espectador se siente atiborrado en su visión y hasta extenuado en su tolerancia. Más que una historia, ve un mosaico de expresiones no convencionales que el guión sugiere, basado en el libro del novelista Boris Vian. El film de Gondry es una catarata de imágenes metafóricas de las que ni Jean Paul Sartre queda soslayado. La vida como pesadilla y como ensueño.

La amada que compone Audrey Tautou sufre una rara enfermedad que va ensombreciendo la historia. Un nenúfar en uno de sus pulmones la debilita y solo con flores sobre su cuerpo encuentra paliativo. Mientras, su esposo trabaja en condiciones absurdas para pagar los gastos médicos. Desaparece el color y el blanco y negro de la angustia se extiende, sin menguar la locura visual inicial. La explosión de imágenes en forma constante aleja la emoción propia de una historia de amor y nos lleva a un mundo pesadillesco que terminan por agotar mientras la historia central se diluye en la frenética búsqueda de sensaciones visuales.

Carlos Pierre

NOCHE DE PERROS

De Nacho Sesma. Con Nicolás Goldshmidt, Facundo Cardosi, Mónica Gonzaga, Darío Levy, entre otros. Duración: 85 minutos.

REGULAR. JUGARRETAS NOCTUNAS

Nacho Sesma nos regala una historia de jóvenes durante una noche que se trastoca y de la que salen bastante ilesos pero con otras experiencias de vida. “Enzo” y “Richard” son polos opuestos, uno cuida un garaje, el otro trabaja con su padre y estudia. Uno es pobre, el otro es rico. Esta contraposición de modos de vida y estratos sociales no hacen mella en la amistad que tienen y deciden tomar prestado un auto de alta gama para pasarla bien. Es lo que no les ocurrirá y Sesma nos puede mostrar, por este ardid del guión, la otra cara de la noche porteña con pocos personajes pero suficientes para decirnos que no siempre las travesuras son positivas.

La narración fluye, es ágil, los dos actores protagonistas tienen química, hay empatía entre ellos y esto hace más fácil aceptar una historia tan lineal, un guión muy elemental que se sostiene solo por las actuaciones. La anécdota es muy pequeña, si bien deriva en un policial que resulta entretenido, sin mayor pretensión.

Elsa Bragato







jueves, 17 de septiembre de 2015

"EVEREST 3D", "MI AMIGA DEL PARQUE", "SILO", ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 17



JUEVES 17 DE SETIEMBRE DEL 2015.-
Entre ocho y diez estrenos se podrían dar este jueves, agregados algunos a último momento y sin posibilidad de que los críticos vean el material. Hay para todos los gustos y de todos los géneros. Por ejemplo, entre los confirmados, “Inmortal”, de Tarsem Singh, con Ryan Reynolds, el traspaso de la conciencia en un policial que se mete de lleno en la ciencia-ficción confrontando con el film “Aurora”, de Lituania, que conoceremos en próximas semanas. También está Michael Douglas en un regreso “mecánico” de actuación en “Duelo al sol”, dirigida por  Jean-Baptiste Leonetti. Un rico sale a cazar, mata a un hombre en el Desierto de Mojave (California, USA) y persigue al testigo, un guía de su tour de matanza. Más de lo mismo, ya vimos un duelo entre Robert de Niro y John Travolta, brutal persecución de dos hombres hasta destrozarse (basado en el libro de Robb White del mismo título). “La maestra de jardín”, de Nadav Lavid, es una coproducción de Israel y Francia, sobre una maestra que descubre en un alumno de 5 años el don de escribir poemas. Resulta una película interesante por trasuntar las reacciones de la sociedad israelí que van desde la hipocresía hasta el reconocimiento. Entre las nacionales, está “Uno mismo”, de Gabriel Arregui, con el protagónico casi absoluto de Chino Darín, ascendente joven actor. La cámara busca casi siempre el rostro de Darín, en una búsqueda de sentimientos y reacciones, matizada con varias escenas de sexo. También se anuncia “Silo”, de Leandro Bartoletti, sobre el fundador del Partido Humanista, oriundo de Mendoza. Allí vivía en Chacras de Coria, en un gran caserón, junto a su mujer e hijos. Solía dar discursos en Punta de Vacas y fue muy reconocido en Oriente. Esta sección tuvo oportunidad de conocerlo en su casa y de saber sus principios religiosos, basados en la “religiosidad interior”. Mario Luis Rodríguez Cobos, “Silo”, falleció en el 2010. Posiblemente se estrene el documental “Salgán & Salgán”, un retrato de la vida del gran maestro Horacio Salgán de casi 100 años, y su hijo César, también pianista y heredero musical de su padre.
EVEREST 3D
De Baltasar Kormákur Samper. Guión de Justin Isbell y William Nicholson. Con Josh Brolin, Keira Knightley, Jason Clarke, John Hawkesm Jake Gyllenhaal, Emily Watson, Naoko Mori, entre otros. Fotografía de Salvatore Totino. Música de Darío Marianelli. Duración: 121 minutos.
MUY BUENA. GRAN IMPACTO VISUAL
El 3D suele arruinar toda buena fotografía, aunque se crea lo contrario. En el caso de “Everest” estamos frente a una asombrosa realización que tiene en Salvatore Totino (Código Da Vinci, El luchador) a su generador, una luminosidad y tridimensionalidad del elenco y de los paisajes que asombran.
La película recrea la tragedia del 10 de mayo de 1996 cuando una expedición al monte Everest (debe su nombre al topógrafo y coronel galés George Everest, que lo descubrió), aportando datos, en el inicio, sobre los dos primeros montañistas que alcanzaron la cima en 1953: el neozelandés Sir Edmund Hillary y el sherpa (grupo étnico procedente de China que habita el Nepal desde hace más de 300 años)Tenzing Norgay. En los 90 se organizaron las expediciones pagas, guiadas, hacia la cima de 8848 metros de la cadena del Himalaya. Fue un negocio que empezaron neozelandeses para luego seguirles otros de diversas nacionalidades. En el caso del film, Jake Gyllenhaal es el líder del grupo heterogéneo, mientras que Jason Clarke es Rob Hall, el guía del grupo neozelandés. Josh Brolin es Beck Weathers, así como Emily Watson, Keira Knightley, Robin Wright, forman el trio central de mujeres que sostienen a los montañistas. Watson está a cargo del campamento base, mientras que  Robin Wright es la esposa de Weathers, y Knightley, la del guía Rob Hall.
El comienzo de este blockbuster nos prepara para la intensidad narrativa que sobreviene en más de una hora y media del film. Una vez en Nepal, la habilidad del director nos muestra -en pequeñas dosis- ceremonias religiosas, sin extenderse en estas secuencias, para entrar rápidamente en la base del Everest. Y comienza la magistral fotografía de Totino que se parece a los documentales de la NatGeo. Ver semejantes precipicios con escaleras colgantes desde tomas zenitales, recorrer las laderas con glaciares eternos y aludes de nieve fresca, conforman una experiencia cinematográfica de gran disfrute visual.
No faltan las escenas lacrimógenas, que son clishés fundamentales de estas historias épicas y muy humanas: Knightley compone a una embarazada primeriza que alienta telefónicamente a su esposo en momentos límites, siendo poco creíble el diálogo amoroso en vez de un llanto o un grito desgarrador. La recuperación de quien logra alcanzar la base, con las manos congeladas y sangrantes y casi sin oxígeno, así como la secuencia de un helicóptero a una altura inconveniente, son otros momentos sobrecogedoras de la película.
De esta expedición, muy pocos sobrevivieron, perdiendo manos o padeciendo ceguera por la nieve, entre otras terribles consecuencias. Una tormenta prevista para el día siguiente se adelantó a los cálculos y provocó la tragedia. Las nubes, a semejante altura, están cargadas de granizos y rayos, teniendo el viento una intensidad inimaginable. Imposible ver, el oxígeno falta, la ayuda no se puede concretar sin sacrificar vidas.
Es cierto que se trata de una superaventura, pero atrapa, inquieta, perturba, desde el primer instante de la ascensión por lo que, si analizamos que el guión es lineal –una expedición a una montaña-, nos quedamos sin comprender el riesgo, el comercio que significa ir al Everest (se calcula 80 mil euros hoy en día) y la necesidad espiritual de hombres y mujeres de cumplir con esta hazaña que, para muchos, tiene valor religioso y social. Hay impacto visual, emoción, en una narración efectiva con un elenco coral donde todos son protagonistas y donde las historias personales también surgen, con diálogos muy interesantes. No deje de verla.
Elsa Bragato
MI AMIGA DEL PARQUE
De Ana Katz. Con Julieta Zilberberg, Ana Katz, Maricel Alvarez, Daniel Hendler, Mirella Pascual, entre otros. Música de Maximiliano Silveira. Duración: 84 minutos.
MUY BUENA. MIRADA DE MUJER
Ana Katz aparece de tanto en tanto con historias mínimas muy bien narradas como “El juego de la silla” y la muy buena “Una novia errante”, dando un salto sobre la convencionalidad de los guiones nacionales. En este caso, nos presenta un drama doméstico, con suspenso creciente, entre las madres que salen a un parque (en este caso, la locación está en el Uruguay) con sus criaturas. El espacio no tiene rejas, es abierto, hay sol, y se entrelaza con los sentimientos de la protagonista, Julieta Zilberberg en el papel de “Rosa”, madre primeriza con muchos temores. Está sola, su marido (Daniel Hendler) filma en Chile, y solo lo ve vía Skype. Solo encuentra un parque para amainar la soledad junto a otras mujeres en su misma situación. Pero hay dos hermanas, a cargo de Ana Kazt y Maricel Alvarez, que saben captar a los espíritus débiles a través de una azarosa telaraña revestida de amistad, que provoca enorme zozobra en “Rosa”.
La narración está muy bien estructura porque el suspenso crece y atrapa desde el comienzo al espectador, siembra curiosidad, con diálogos adultos, creíbles, a través de secuencias que transmiten con énfasis el universo femenino. Desde la necesaria compañía del marido hasta la superación del miedo de dañar al propio hijo por inexperiencia, un llanto, un suspiro del bebé que trastocan el mundo de la mamá. Y es en ese parque donde “Rosa”, buscando solaz y entretenimiento genuino con su pequeño hijo, encuentra la dosis de experiencia que le falta. Es un lugar abierto que se cierra, como contraposición, sobre el espíritu de la protagonista.
Resulta una muy interesante propuesta que se vale de estupendas actrices para acercarnos una historia que, aún con una pizca de delirio, resulta renovadora, da un aire fresco y superador al cine nacional, desde todo punto de vista. Las pequeñas historias, bien contadas, pueden más que las superproducciones porque nos llegan directamente al corazón.
Carlos Pierre
LABERINTO DE MENTIRAS
Guión y dirección de Giulio Ricciarelli. Con Alexander Fhling, André Szymanski, Friederike Becht, Johannes Krisch, entre otros. Música de Sebastián Pine y Niki Reiser. Duración: 121 minutos.
MUY BUENA. LA GRIETA ÉTICA DE LA ALEMANIA NAZI
La Alemania de los Nazis sigue dando material para descubrir oscuras relaciones entre los jerarcas del nefasto Tercer Reich y la población de aquellos años. “Laberinto de mentiras” es una narración valiente y honrada que rasga las vestiduras del pueblo alemán para buscar esos nexos invisibles que hicieron posible las atrocidades de Hitler, de Josef Mengele (muerto en Brasil) y Adolf Eichman (capturado por los servicios de inteligencia israelíes en nuestro país).
El tema es atractivo aunque la realización del italiano Giulio Ricciarelli apunta linealmente a relatar la antinomia resultante de búsqueda y encubrimiento que se desató 15 años después de la rendición de Alemania en la Segunda Guerra Mundial (1945) No obstante, es un film comprometido, necesario incluso para el propio pueblo alemán.
La historia se ubica en 1958, donde se vive una atmósfera diferente a la del nazismo debido a la gestión de un fiscal joven, “Johann”, que quiere encontrar la conexión entre los hombres comunes y los nazis. El velo del ocultamiento empieza a caerse, pero no será fácil enfrentar la verdad, quiénes estaban detrás de las atrocidades de Hitler. Por un lado, estamos frente a un thriller, suspenso creciente, característica del policial, y por el otro, el realizador Ricciarelli nos descubre la trama secreta de una investigación judicial.
El film tiene un formato clásico, una manera de retratar las tomas de manera tradicional, lo cual no es un obstáculo para que se ahonde, hasta cierto punto, en el comportamiento de los que vivían en ese año en Alemania teniendo un deliberado olvido del horror que fueron capaces de infrigir.
Sin embargo, hay que reprocharle al realizador italiano, también autor del guión, una dirección actoral conformista porque no busca más allá de los hechos en las performances de sus actores, es decir, no se adentra en el dolor o repulsión que el joven fiscal pudiera sentir sobre las verdades que va descubriendo y que podrían hasta inculparlo.
El sinceramiento social hace interesante al film y muestra la grieta ética que vivió una sociedad que quiso ocultar crímenes de lesa humanidad con una pátina de civilidad e industrialización. La película viene recibiendo honores y premios en distintos festivales y acaba de ser seleccionada para representar a Alemania en la próxima entrega de los Oscars.
Carlos Pierre
EL GRAN SECUESTRO DE MR. HEINEKEN
De Daniel Alfredson. Basado en el libro del mismo nombre de Peter R. de Vries. Con Anthony Hopkins, San Worthington, Jim Sturgess, Ryan Wanten, entre otros. Música de Lucas Vidal. Duración: 95 minutos. Coproducción de Bélgica, Reino Unido y Holanda.
BUENA. MÁS DETALLES QUE SUSTANCIA
El sueco Daniel Alfredson, hermano de Tomas (realizador de “Criaturas de la noche” y “El topo”), se basa en el segundo libro del holandés Peter R. de Vries sobre el secuestro del Dr. Alfred Freddy Heineken y su chofer, ocurrido en 1983, En ese segundo tomo incluyó una intensa investigación que incluyó una entrevista al criminal Cor Van Hout, famoso por este hecho.
Con tinte de los 80 bien recreado, la película de Alfredson incurre, desde el vamos, en un error común a quienes se basan en textos literarios: aportar la mayoría de los detalles al pie de la letra con el consabido riesgo de dilapidar la intensidad dramática del film.
El golpe, el secuestro de Mr. Heineken, fue planificado en Amsterdam durante dos años por sus secuestradores, quienes habían hechos algunos intentos antes sin suerte. A pesar de tanta rigurosidad en el armado del secuestro, actuaron como principiantes: en una barraca de Amsterdam, alejada del centro urbano, mantuvieron cautivos al gran magnate y a su chofer, encadenados durante tres semanas. Cobraron un rescate de unos 50 millones de dólares, cifra récord para la época. Pero, por la impericia en el accionar, fueron capturados en Francia y en el Paraguay.
Hay algunos aspectos de la narración que merecen una consideración especial porque son justamente los que entibian la acción y la hacen menos atractiva para el espectador: en principio, la mayor parte del film está actuada por actores buenos, con buena química profesional, pero muy poco conocidos frente a un Anthony Hopkins en el rol del doctor Heineken (con excepción de Sam Worthington, a quien vemos también en Everesst 3D). Ver a este notable actor inglés tan acotado en su actuación, limitado por la primacía lógica en el guión de los secuestradores y el plan en sí, le resta interés a la propuesta. A Daniel Alfredson no le faltan conocimientos como realizador pero sí fineza en la narración y sutileza en la dirección actoral. Se nos cuenta un hecho dejando de lado aspectos de la relación secuestradores-secuestrados que hubieran enriquecido el film, para sumar detalles que, sin faltar a la verdad, pudieron obviarse, sublimarse, en pos de una narración más contundente.
Carlos Pierre