PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 27 de marzo de 2014

"CAPITÁN AMÉRICA 2", "LO MEJOR DE NUESTRAS VIDAS" Y "BERBERIAN SOUND STUDIO", LO MEJOR DEL JUEVES 27



JUEVES 27 DE MARZO DEL 2014.-
Hay siete estrenos, incluyendo cuatro nacionales (presentados en los festivales de cine de Buenos Aires): la opera prima del mendocino Matías Rojo titulada “Algunos días sin música”, “Tan cerca como puedas” de Eduardo Crespo con Daniel Laferrara y Giovanni Pelizzari, buena fotografía en una historia con tintes costumbristas modernos, “En la punta”, documental de Lucas Riselli, una buena reseña de los pueblos jujeños y su esencia cultural, y “Condenados”, de Carlos Martínez, con un superelenco encabezado por Alicia Zanca y Raúl Rizzo, entre otros, sobre la dictadura militar del 76 y su accionar contra los ciudadanos, torturas, campos de concentración. Esta película ha sido considerada de interés cultural por la Unión Europea.
Las tres restantes son extranjeras. “Berberian sound studio”, de Peter Strickland, es un placer para los cinéfilos por su historia y los notables rubros técnicos (sonido y fotografía) que la enmarcan en el cine-arte. Claustrofóbica, con un estilo rebuscado y perfeccionista, nos introduce en el mundo de la postproducción cinematográfica cuando un técnico inglés viaja a los famosos estudios que dan nombre al film en Italia para poner el sonido al último film del gran maestro del cine “giallo” Santini. El resto es un fino juego de gritos de horror y sutilezas. El protagonista es nada menos que el actor Toby Jones, tan peculiar en su fisonomía como en su actuación. Fue ganadora del BAFICI 2013.
LA SAGA DE LA SEMANA
CAPITÁN AMÉRICA Y EL SOLDADO DEL INVIERNO
De Anthony y Joe Russo. Con Chris Evans, Scarlett Johansson, Robert Redford, Samuel L. Jackson, Sebastián Stan, Anthony Mackie, entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 136 minutos. Se ofrece en 40 salas.
MUY BUENA. ENTRETENIMIENTO DE PRINCIPIO A FIN
Capitán América reaparece viviendo en Washington. Intenta adaptarse al mundo moderno y luce muy joven a pesar de declararse con 95 años. Agregamos que los héroes de los cómics no tienen edad… Es el símbolo de la libertad norteamericana con su escudo como una rodela, su traje con bandas y la estrella en el pecho. Si en sus comienzos estuvo involucrado contra los nazis, ahora lo está contra el terrorismo desatado luego del 11 de setiembre del 2001. HIDRA, la organización terrorista ficticia del universo de Marvel Cómics (también una organización terrorista con muchas cabezas, se corta una y aparece otra en otro lugar, como la mitológica Hidra de Lerna) vuelve a atacar a S.H.I.E.L.D, y es donde actuará Capitán América. En este caso, HYDRA (en Alemania) está dirigida por un fantástico Robert Redford como “Alexander Pierce”, quien trata, mediante aviones ultrasofisticados, eliminar a 20 millones de personas en defensa de 7 mil millones de humanos. Y cuenta con un enemigo especial contra Capitán América: su otrora amigo Bucky Barnes en el rol del “Soldado del invierno”. Pero nuestro héroe no está solo: la Viuda Negra – Black Widow- encarnada por una estupenda Scarlett Johansson, y el nuevo aliado “Falcon”.
Para quienes no vieron el primer film, hay ilustrativos momentos donde se muestra los comienzos de Capitán América como un esmirriado ciudadano que solo gracias a un tratamiento especial del doctor Erskine logra ser un superdotado. La realización cuenta con la maestría de un equipo técnico que logra profundidad con el 3D en batallas muy bien coreografiadas, estallidos y explosiones (excesivos), una cámara veloz con planos inclinados en los comienzos y finales de las secuencias, estupendos encontronazos de S.H.I.E.L.D y los representantes de HYDRA. No cabe duda de que el espectador queda magnetizado por los efectos especiales y por las artes marciales desplegadas con perfección. Y está la banda sonora muy presente a lo largo del film, con dejo de aquella memorable composición de “La guerra de las galaxias”, de John Williams, y también con algo de la “Fanfarria para un Hombre Común”, de Aaron Copland. Sabia combinación melódica del compositor inglés Henry Jackman, además de su propia creación musical para esta película.
Recordamos que Capitán América se remonta a finales de 1940, cuando los Estados Unidos aún no había ingresado a la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, existía un espíritu combativo y antinazi en la sociedad norteamericana. Joe Simon y Jack Kirby idearon este personaje, adherido a The Shield (escudo) que, a su vez, aglutinó a los combatientes contra la tiranía en el mundo. La primera versión del personaje apareció entre 1941 y 1954. Steve Rogers (el futuro Capitán América) creció en el Lower East Side de Nueva York durante los años de la Gran Depresión (1929-1930). Al descubrir la amenaza del nazismo, intentó alistarse en el ejército pero fue rechazado repetidas veces por su físico esmirriado hasta que apareció el doctor Erskine y lo transformó. Desde entonces, Capitán América debió luchar con diferentes enemigos, cambiando su objetivo a partir del 11 de setiembre del 2001.
Un film para entretenerse de principio a fin, con personajes con ciertos altibajos, con un potente Robert Redford, y con efectos especiales que siempre nos seducen.
Carlos Pierre
EL FILM FRANCÉS DE LA SEMANA
LO MEJOR DE NUESTRAS VIDAS
Guión, producción y dirección de Cédric Klapisch. Con Ropmain Duris, Audrey Tautou, Cecile De France, Kelly Reilly, entre otros. Música de Christophe Minck. Duración: 117 minutos.
BUENA. VIVAZ Y COMPLEJA COMEDIA
Este film de Cédric Klapisch se llama “Rompecabezas chino” en francés y tiene que ver con la complejidad narrativa propuesta.  Se trata de la tercera parte en la alocada vida de Xavier Rousseau (Romain Duris). Las anteriores fueron “L’auberge espagnole” (“Piso compartido”, 2002) y luego “Les poupees russes” (“Las muñecas rusas”, 2005). Una década después, el protagonista se traslada a Nueva York, al famoso Chinatown. Su esposa lo abandonó junto a sus dos hijos para vivir con un hombre en aquella ciudad norteamericana.
En esta entrega, Cédric Klapisch no se priva de nada para mantener amablemente entretenido al espectador. Los personajes son chispeantes y caóticos como la propia New York. Introduce acicates en el guión desde separaciones hasta padres gays, trabajo en negro y diferentes subtemas que transforman el guión en un rompecabezas. Audrey Tautou deja su París para vivir un romance con el ahora padre soltero, dedicado a sus hijos.
El realizador contó que él comenzó sus estudios cinematográficos en New York y quería cumplir con su sueño de filmar allí. No fueron pocas las dificultades que afrontó, entre ellas, al Huracán Sandy.
Respecto del film, hay una verborragia visual, cierto snobismo intelectual cuando el protagonista habla con los filósofos Schopenhauer y Hegel, relacionándolos con temas globales que, en definitiva, caerán sobre los personajes. Una novela paralela, un editor incisivo y exigente, completan una galería de personajes poco comunes, en medio de alocados albergues, que entretienen y dejan un dulce sabor de amores y amistades. Una película vivaz y diferente.
Carlos Pierre

jueves, 20 de marzo de 2014

"GRAN HOTEL DE BUDAPEST", "EL SOBREVIVIENTE", "NACIDOS VIVOS" E "INEVITABLE", RECOMENDADAS DE ESTE JUEVES 20



JUEVES 20 DE MARZO DEL 2013.-
Hay 9 estrenos de cine. Entre ellas, “Tarzán 3D”, de Reinhard Looss y Holger Tappe, retomando la tradicional historia de Tarzán; “El pasado”, de Asghar Farhadi, con Berenice Bejo, sobre las familias disfuncionales; y “Motín en Sierra Chica”, de Jaime Lozano, ficcionando los sucesos de 1996 en versión libre.
LA NOVEDAD DE LA SEMANA
El GRAN HOTEL BUDAPEST
De Wes Anderson, octavo film del realizador. Con Ralph Fiennes, Tony Revolori, Adrien Brody, Bill Murray, Tilda Swinton, Owen Wilson, bob Balaban, Jude Law, entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración:
MUY BUENA. REGRESO DE ANDERSON CON NOSTALGIOSO Y FASCINANTE RELATO
Un hotel en un país inexistente, Zabrowka, llamado Budapest, ubicado en una escarpada colina a la que se accede con funicular, es el centro de esta historia exótica, hilarante aunque flemática y nostalgiosa del realizador Wes Anderson, el mismo de Moonrise Kingdom y Los excéntricos Tenenbaum, entre otros 7 films anteriores.
Wes Anderson tiene fans seguidores de su peculiar estilo con el que desgrana historias en las que destila un humor negro solapado, una burla a determinado estilo de vida o bien de concepción de la vida, rodeada de dramas que no afectan a quienes ostentan el poder del dinero. Puede sonar a “mucho” esta definición pero, en definitiva, el conserje Gustave y su joven discípulo Zero desgranan este tipo de historias en un hotel otrora lujoso, en el que desfilaron las mujeres más bellas, los momentos más voluptuosos, mientras el mundo se acercaba a la primera guerra. Anderson ha reconocido una empatía profunda con Stefan Zweig (reconocido escritor nacido en el imperio austrohúngaro) y Ernst Lubitsch, realizador nacido en Alemania que emigró a los Estados Unidos, comenzando a filmar en su país natal en 1914. Tenía una particular visión del nazismo que influyó en Anderson, según sus palabras. De ellos ha tomado muchos conceptos cinematográficos y los ha volcado en el film.
Diferentes enfoques, variedad de planos, riqueza visual, escenografías espectaculares, conforman una narración que es lenta por momentos pero no menos atrapante por las historias que va descubriendo como una gran caja de sorpresas, muchas veces ayudada con un relato en off. Un gran diseño de arte y una estupenda dirección actoral son las características sobresalientes de esta película.
Solo un realizador de gran renombre pudo congregar tamaño elenco, a veces para performances breves pero siempre gratas para el espectador. Law, Murray, Swinton, desfilan engalanando una narración muy diferente, con un toque snob, alrededor de Ralph Fiennes, quien ya demostró que el drama como la comedia le caen a la perfección. Por detrás, se advierte un tinte de crítica social “a lo Anderson”. No es puro oropel…
Elsa Bragato
EL POLICIAL DE LA SEMANA
AIRES DE ESPERANZA
De Jason Reitman. Con Kate Winslet, Josh Brolin, Gattlin Griffith, Tobey Maguire. Música de Rolfe Kent. Duración: 111 minutos.
BUENA. POLICIAL ROMÁNTICO CLÁSICO
Jason Reitman es el realizador de la fantástica “Juno” y también, entre otros films, de “Gracias por fumar”. En “Aires de esperanza” o “Labor day” –título original- despliega un matiz distinto: un policial previsible aunque de gran intensidad, con romance incluido.  La historia se sitúa en 1987 y está basada en la novela “Aires de esperanza” de Joyce Maynard.
Es muy interesante el “tempo” del film, sin duda el mayor logro de esta historia, donde un prisionero se escapa y recala en la casa de una mujer divorciada con un hijo preadolescente, con conflictos con su padre por el abandono familiar, si bien mantiene buena relación.
Josh Brolin está un tanto desconocido: atlético, barbado y muy delgado, este actor que ganó un premio SAG por su trabajo en “Sin lugar para los débiles” (Hnos Coen), compone a un delincuente que no quiso serlo siendo perseguido por la policía.
Kate Winslet, inolvidable heroína de “Titanic” o de la menos mencionada “Revolutionary Road”, ambas con Leonardo Di Caprio, ensaya gestos de terror sin una gran convicción, aunque su mirada habla más que alguno de sus gestos. Sin embargo, no resulta tan convincente como este malvado-que-no-lo-es de Brolin. El hijo es el espectador de tensas situaciones generadas por vecinos y policías que husmean el hogar y los alrededores. Tobey Maguire compone al niño ya adulto.
Hemos perdido la sana costumbre del romance y del policial, dos géneros que han sabido combinarse con maestría desde los tiempos del blanco y negro. Por lo que suponemos lo que va a suceder, acontece, y desilusiona. Analizando con otros ojos, más benevolentes, es un buen policial, clásico, que desconcierta por quien la dirigió. Pero resulta entretenido y, como dijimos, tiene intensidad dramática.
Elsa Bragato
EL HECHO REAL DE LA SEMANA
EL SOBREVIVIENTE
De Peter  Berg. Con Mark Wahlberg, Emile Hirsch, Taylor Kitsch, BenFoster, Bric Bana, entre otros. Música de Steve Jablonsky. Duración: 120 minutos.
MUY BUENA. VIBRANTE FILM BÉLICO
Mark Wahlberg, el mismo de “El luchador”, personifica a Marcus Luttrell, único sobreviviente del grupo comando de fuerzas de operaciones especiales enviado a Afganistán en el 2005 bajo el nombre de “Operación Red Wing”, para matar a un líder talibán. Junto a sus tres compañeros, en las escarpadas montañas de ese país, se toparon con pastores de cabras por lo que debieron tomar la decisión de matarlos o no, corriendo el riego de ser delatados, que es lo que ocurrió. Es así como se entabla una batalla feroz y desigual entre los guerrilleros talibanes y los “seals” norteamericanos.
El film está basado en esta historia real, escrita por el propio Marcus Luttrell en un libro que fue best-seller del The New York Times. Fue el propio Luttrell quien asesoró en las secuencias de guerra al director Peter Berg. Y, aunque tentado por Hollywood, optó por vivir con su familia en su Texas natal.
Las escenas bélicas son impactantes, aunque sepamos de antemano el poderío de las tropas norteamericanas, el entrenamiento que tienen y la resistencia al dolor que lograron. El despliegue fotográfico y los efectos especiales se conjugan para hacer vibrar al espectador.
La guerra lleva muchos años en Afganistán y en Irak, motivadas luego del ataque a las Torres Gemelas el 11 de setiembre del 2001. Sin embargo, se atribuye esta intervención en especial a estrategia política por el petróleo de la zona. Aún hoy la guerra tiende a convertirse en una guerra sinfin. Recordemos que de estas tierras tuvieron que retirarse las tropas soviéticas.
Marcus Luttrell fue el único sobreviviente de la feroz lucha contra los talibanes a partir de la delación de los pastores. Pudo sobrevivir gracias a los habitantes de una aldea. Se puede desconfiar del relato, similar a tantos otros que nos contaron en el cine, pero tengamos en cuenta que en la guerra hay motivos que desconocemos.
El film es demoledor por su potencia visuales desgarrador al mismo tiempo por la resistencia al límite de los “seals”, más allá de cualquier consideración política, y la ferocidad de los talibanes. Puestos en la guerra cuerpo a cuerpo, hay soldados más preparados que otros para semejante lucha. Para fanáticos del cine bélico.
Carlos Pierre
UN BUEN DOCUMENTAL
NACIDOS VIVOS
Documental guionado y dirigido por Alejandra Perdomo. Música de Manuel García. Duración: 78 minutos.
MUY BUENO. EL DERECHO A CONOCER EL ORIGEN
Alejandra Perdomo es una documentalista de vasta trayectoria que, en este caso, transita por un guión muy bien estructurado. Expone con rigurosidad cinematográfica la lucha de todos aquellos cuya identidad fue sustituida que tomaron y toman la decisión de conocer su verdadero origen.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                      
En la Argentina se reconocen alrededor de 3 millones de personas que buscan su identidad, hecho similar a lo que ocurre en Valencia y Cataluña, España, que también muestra el film.
La exposición se sustenta en la labor de la Mercedes Yáñez, creadora de la Oficina de Derechos Humanos del Registro Civil de la Ciudad de Buenos Aires, ubicada en el conocido edificio de la calle Uruguay. Yáñez lucha incansablemente para arribar al origen biológico de quienes lo solicitan. También brinda su aporte científico la prestigiosa doctora Eva Giberti, de amplia experiencia en el ámbito de las adopciones.
El documental ha sido declarado de interés por el INCAA y es un reconocimiento más que justo. Agregamos que hoy en día existe en nuestra televisión un ciclo dedicado a estas búsquedas, “Los unos y los otros” por América, sucedáneo del que condujese Franco Bagnato. A su vez, hace unos 10 años la televisión española puso en el aire “Quién sabe donde”, ciclo que se destinó a la búsqueda de niños dados en adopción durante la Guerra Civil Española. Esto significa que la búsqueda del origen biológico es una necesidad que no conoce fronteras ni épocas. Y el trabajo de Perdomo es una mirada esclarecedora y necesaria sobre el tema. Más que interesante.
Carlos Pierre
UN BUEN FILM NACIONAL
INEVITABLE
Guión y dirección de Jorge Algora sobre la obra original de Mario Diament. Con Darío Grandinetti, Federico Luppi, Carolina Peleritti, Mabel Rivera, Antonella Costa, entre otros. Música de Berrogüetto. Duración: 97 minutos.
BUENA. HISTORIA DE PASIONES EN UN RELATO SINCERO Y EFICAZ
Drama romántico de tono severo y pasional, que trata el cambio inevitable que se produce en las relaciones y en las sensaciones amorosas a lo largo de la vida, incluyendo la propensión a cambios radicales en el comportamiento cotidiano y la rutina matrimonial.
Es el caso de un adusto ejecutivo que trabaja en una sucursal bancaria (Darío Grandinetti). Al morir un compañero, siente un sacudón emocional que hace trastabillar su estilo de vida. Su esposa está encarnada por Carolina Peleritti, psicóloga abocada a su profesión que no tiene tiempo para el hogar. Una de sus pacientes, a cargo de Mabel Rivera, tiene un particular resentimiento por lo que se entabla una conflictiva relación entre ambas.
Un encuentro casual con un no vidente, que personifica Federico Luppi, lo arroja a los brazos de un amor clandestino (Antonella Costa), amorío descontrolado que pone sobre el tapete la complejidad de los vaivenes de la vida y la pérdida de la estabilidad emocional por razones que a veces no comprendemos.
Atraen las actuaciones del elenco, fuertes y de gran magnetismo, dentro de esta historia de amor donde surgen subtemas interesantes como el desgaste de un matrimonio y la corrosión fría e inconciente de las relaciones humanas. El realizador Jorge Algora imprimió una credibilidad sincera y eficaz, que deja un sabor agridulce: la vida, sus caminos y las diferentes etapas del amor. Muy interesante.
Carlos Pierre
NOVEDAD ERÓTICA FRANCESA
EL DESCONOCIDO DEL LAGO
Guión y dirección de Alain Guiraudie. Con Pierre Deladonchamps, Christophe Paou, Patrick D’Assumsao, Jérome Chappatte, Mathieu Vervisch, entre otros.
REGULAR. HOMBRES ENARDECIDOS ALREDEDOR DE UN LAGO
Una muy poco creíble trama que se diluye sin misterio y con la quietud lacustre del título hacen de “El desconocido del lago” una sesión de voyeurismo de sexo entre hombres que puede incomodar al espectador desprevenido. Es sexo explícito, con el que Alain Guiraudie ha logrado un paseo más que exitoso por diferentes festivales. Único mérito porque la trama hace agua, acorde con el lago. El aparente thriller sucede en un lago francés y sus alrededores, durante un verano, frecuentado por hombres que gustan de hombres y que buscan un fin sexual, carnal, para cada día. Es decir, la compañía ocasional que les proporcione satisfacción a la obsesiva compulsión de sus impulsos. Éstos se verán en todos sus aspectos, en solitario y en pareja. Dos personajes se enamoran, tornándose peligrosamente mortal el flechazo, especialmente porque en uno anida un asesino. Aquel que intercepte su itinerario, caerá. El thriller no es más que esto luego de un largo paseo, involuntario para el espectador, por diversas “sábanas”, si es que pueden llamarse así… En síntesis, muy pobre trama con exceso de impulsos sexuales explícitos.
Carlos Pierre

jueves, 13 de marzo de 2014

"ELLA", "BALADA DE UN HOMBRE COMÚN" Y "LA TERCERA ORILLA", ESTRENOS JUEVES 13




JUEVES 13 DE MARZO DEL 2014.-
Hay siete estrenos. “Need for Speed”, de Disney, dirigida por Scott Waugh, está basada en los videojuegos de Electronic Arts. “La segunda muerte”, de Santiago Gómez Calvete, nos presenta el primer largometraje del director, dentro del género del terror. Y “El infierno”, de Luis Estrada, es un film mexicano de 2010, del género policial, que se estrenó en su país de origen antes del Bicentenario de la Independencia de México. Llega con bastante retraso a nuestra cartelera.

LOS DOS MEJORES FILMS DE LA SEMANA
1.-
BALADA DE UN HOMBRE COMÚN
Dirección, guión, producción y montaje de Ethan y Joel Coen. Con Oscar Isaac, Carey Mulligan, Justin Timbrlake, Robin Bartlett, entre otros. Música de Marcus Mumford con inclusión de música de Mozart, Beethoven y Schumann. Duración: 104 minutos.
EXCELENTE.  OTRA NARRACIÓN INSUPERABLE DE LOS COEN
Con el sello de los hermanos Coen, este film nos describe la vida de un cantante de música folk, recreando el estilo de vida previa a la eclosión de los 60 del Greenwich Village neoyorquino, y basándose en la vida real De Llewyn Davis a partir de su disco “The Mayor of Macdougal Street”. Una semana en su vida, triste y divertida a la vez, que transcurre entre ese barrio y Chicago, recorriendo con desesperación un itinerario musical en espera de la redención, bajo el rigor del invierno del Norte.
Pocos realizadores podrían haber creado a este personaje entre omnipotente y mínúsculo a la vez, que busca el reconocimiento para su ignorada música chocando con la negativa cruel de los sellos discográficos.
Oscar Isaac (portorriqueño) compone a “Llewyn Davis”, de una manera superlativa lo que nos habla de la dirección de actores de los Coen, siempre al borde de la excelencia misma. Y es el propio Isaac quien interpreta los temas musicales, poniéndose en la piel del cantautor.
Lejos de ser una biopic, la historia se presenta como un emble agrisado de aquel movimiento folk que fuera común en los clubes y bares neoyorquinos, sin trascender o alcanzar popularidad, y es también un elogiable tributo a los realizadores de ese estilo músical popular, a veces socarrón, otras tristón, sin caer nunca en el “malditismo”, ni en el melodrana, pero sacando de la galera mágica de los Coen los sueños y las querencias de esos artistas cuyos nombres ni se recuerdan.
En los 60, la modestia todavía era común en la vida de todo el mundo, no había lujos ni tecnología para la inmensa mayoría, y, en New York, se estaba a merced de un invierno rígido que atentaba contra la vida de estos menesterosos cantantes folks, a veces compartiendo un mísero cuarto, pero siempre perdidos en la indiferencia de la gran ciudad.
Contrarrestando la palidez de una vida y el brutal desamparo, los Coen le brindan a la historia una cierta gracia irónica que nos sacude la tristeza a través de algunos personajes como el gato rubión, un tibio hálito de compañerismo. No hay duda alguna de que esta generación de cantantes folks está borrada de los almanaques y solo logró consagración con Bob Dylan, el compañero de Joan Báez en aquella época, y aún vigente.
De comienzo a fin estamos frente a un film inteligente, emotivo, perfecto en su narración y en la dirección actoral. La mano de los Coen siguen siendo vectoras de una cinematografía excelsa (recordar “El hombre que nunca estuvo”, “Temple de acero” entre otros films). El disfrute está en la calidad de la realización, tarda en llegar pero se sale con el alma satisfecha.
Carlos Pierre
2.-
ELLA (HER)
De Spike Jonze. Con Joaquín Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde y la voz en off de Scarlett Johansson. Música de Arcade Fire. Duración: 126 minutos.
EXCELENTE. MARAVILLOSA  HISTORIA SOBRE EL AMOR
Spike Jonze es el rubio director de “Being John Malcovich” donde mostró su capacidad creativa y logró un gran éxito (en su vida privada fue el esposo de Sofia Coppola). En “Her”, “Ella”, nos lleva a un mundo que algunos califican de ciencia ficción pero lo sentimos muy cercano en el tiempo porque la necesidad del amor, de mitigar la soledad, es el pan corriente de las sociedades modernas. Eligió a un gran actor que alguna vez quiso retirarse del cine y no pudo, Joaquín Phoenix, notable en la composición de personajes a los que dota de una sensibilidad que impacta en la audiencia. En el rol de Theodore, Phoenix recurre a todas sus emociones más profundas y no hay gesto en su rostro que no denote lo que siente. El personaje que interpreta responde cartas a pedido de familiares, de amigos, de esposos, de novios, en una gran oficina. Su entretenimiento son las supermodernas WI que generan hologramas en el cuarto. La “invención” de una realidad lo acerca a la realidad que no vive aún Teodoro. Separado, sin superar el divorcio, Theodore sucumbe a una moda: las relaciones sentimentales con sistemas operativos. Un programa le proporciona la voz de una mujer, Samantha, con la que comparte sus días y hasta sus relaciones íntimas. El amor que destilan sus cartas por un momento le permite vivir algo parecido. Pero en definitiva ese personaje no es real, surge de una computadora.
El film enternece, emociona, esa voz que lo acompaña a reuniones, a picnics con sus amigos de oficina, que participa de su intimidad, se vuelve algo rutinario, común incluso para el espectador.
El clima creado por Spike Jonze es un hallazgo: cálido, colores vivos, amplios ventanales, nos dan una idea de la vida en una gran ciudad y de la soledad de sus habitantes. En el caso de Theodore nos acerca a otra realidad: la falta de comunicación real, tangible, la falta de compromiso con alguien de carne y hueso por temor a otro fracaso, los sueños vividos como tales y lejos del día a día. ¿Cómo bajar a la tierra y esperar que también aquí ocurra algo similar? He aquí el “quid” del guión. Acotamos que Amy Adams es nuevamente elegida como compañera de rubro, lejos de la voluptuosa mujer que encarnó en “Escándalo americano” y que Spike Jonze tuvo participación en otro film nominado a los Oscars, “El lobo de Wall Street”.
La película obtuvo el Oscar al mejor guión original y estuvo nominada a mejor película. Le faltaron otras nominaciones, pero lo logrado nos da idea de la grandeza de esta película que nos conmueve profundamente y nos hace pensar en nosotros mismos, en nuestras soledades, en la rutina cotidiana, y en el amor que todos necesitamos. No se la pierda.
Elsa Bragato

LA NOVEDAD DE MARTÍN SCORSESE
LA TERCERA ORILLA
De Celina Murga, presentada por Martín Scorsese. Con Alián Devetac, Daniel Veronese, Gaby Ferrero, Irina Wetzel, Dylan Agostini Vandrbosch, Tomás Omacini. Duración: 92 minutos.
MUY BUENA. PADRES AUSENTES, HIJOS DESOLADOS
La entrerriana Celina Murga irrumpió en el cine con “Ana y los otros”, “Una semana solos” y “Escuela normal”, perfilándose como una de las nuevas y buenas directoras nacionales. Fue becada por la Rolex Mentor and Protege Arts Iniciative, tomando contacto con Martín Scorsese, nada menos, que auspicia este film, muy elogiado en el último festival de Berlín.
Son varios los abributos que tiene esta cuarte entrega de Murga: el manejo de cámaras, el clima creado en la narración, la ausencia de un subrayado en los caracteres de los personajes, la dirección de la trama, resaltados por Scorsese. Los dos protagonistas debutan como actores: el novel Alián Develac como el hijo mayor de 17 años, proveniente de un hogar desunido por su papá (Daniel Veronese, el conocido autor y director teatral) porque lleva una doble vida.
Este padre, médico exitoso en una pequeña ciudad entrerriana, dueño de un laboratorio y de un campo, todo lo soluciona con el dinero que le da a su ex pareja, se preocupa por solventar los gastos de la casa abandonada, sin pensar en el odio que alimenta en su hijo mayor. El “quid” del film.
Con ausencia de música incidental, salvo la música que cantan los jóvenes en los bailes y en el día del cumpleaños número 15 de una hermana del protagonista. Éste danza un vals, en ausencia de su padre, interpretado pr la mítica orquesta de Juan D’Arienzo.
El clima va in crescendo, es imprevisible, algo se percibe como una bomba a punto de estallar en medio de la atmósfera pueblerina.
Pocos diálogos, clima denso e intenso, muestran a una Celina Murga compenetrada en los dramas de los pequeños y de los adolescentes, un mundo tan especial que maneja con perfección. Muy buena realización.
Carlos Pierre

LO ESOTÉRICO YA VISTO
LA HERENCIA DEL DIABLO
De Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. Con Allison Miller, Zach Gilford, Sam Anderson, entre otros. Duración: 89 minutos.

REGULAR. UN “DEJÁ VÚ” ANGUSTIANTE
“El bebé de Rosemary” fue la primera película que nos habló de la gestación de un hijo de Satanás. Había entonces una narración densa, sin fisuras. En el caso de “La herencia del diablo” se aggiornó la técnica: cámara en mano, de las supuestamente familiares, narrando todos los acontecimientos de una pareja que contrae matrimonio, Zach y Samantha. Un raro viaje de bodas, y una maldición. Todo previsible salvo algunos sustos.
Hay que destacar que la cámara en mano, a veces un tanto molesta para el espectador, retrata la vida de los recién casados en detalle y nos avisa de cada paso de los protagonistas como del mismísmo diablo. Sabemos lo que pasará.
Es la novedad del film en el que uno encuentra numerosos “dejá vú”, será aquel film, será este otro… Nada nuevo bajo el sol. Gritos, un niño que nace en condiciones sangrientas, una madre que va enloqueciendo a lo largo de la gestación. Y un joven padre que no sabe lo que le espera.
La concepción de un film con cámara en mano no es novedosa, por cierto, pero sí para la recreación de esta historia que ya vimos, si bien las anteriores tuvieron otro perfil cinematográfico. Los “anticristos” están gestándose y nadie sabe dónde nacerá el siguiente.
Más de lo mismo, solo para fans del género. No nos pareció una película significativa ni aún dentro de su género.
Elsa Bragato