"AJUSTE DE CUENTAS", "EL SUEÑO DE DISNEY", "POR UN PUÑADO DE PELOS", ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 30

JUEVES 30 DE ENERO DEL 2014.-

Hay cinco estrenos de cine este jueves con nuevas y “viejas” figuras. Entre los estrenos, está el documental sobre el tour de Justin Bieber, que acaba de dar un “paseo” por las cárceles de Miami. Solo para fans.

LOS FIGURONES DE LA SEMANA

AJUSTE DE CUENTAS

De Peter Segal. Con Robert De Niro, Sylvester Stallone, Kim Bassinger, Alan arkin, Kevin Hart, y LL. Coll J, entre otros. Música de Trevor Rabin. Duración: 113 minutos.

BUENA. ROCKY Y TORO SALVAJE FRENTE A FRENTE

El film que reúne a dos pesos pesados del cine como Sylvester Stallone y Robert De Niro es, en definitiva, el encuentro de dos superhéroes: el Rocky Balboa de Stallone y el Toro Salvaje de De Niro. Un triángulo amoroso con Kim Bassinger (ambos se enamoraron de la misma mujer, uno le dio un hijo y la abandonó) le pone la cuota romántica al guión.

Es, sin duda, una película nostalgiosa, clásica en su estilo, de la que no podemos esperar más que el encuentro de dos colosos, cada uno en su género y ahora compartiendo un deporte, el boxeo, en un match que esperó 30 años.

El director Peter Segal tuvo cuidado de no mostrar primeros planos de Sylvester, Robert y Kim, hasta el momento de la pelea, brutal, fuerte, que fanatizará a los espectadores. Que Stallone es durísimo frente a cámaras no es ningún descubrimiento. Que De Niro recurre a roles que hace de taquito, tampoco. Pero es un film entretenido que nos permite tener nostalgia y, también, admirar a estos dos monstruos sagrados que se ríen de sí mismos, de sus cuerpos, y del paso del tiempo, no sin lamentarlo (lamento común a todos los seres humanos). Llegado el momento del encuentro, con una Basinger dividida por los dos amores, Segal se decide por los primeros planos del match, con el que agrega dramatismo a las escenas fuertes de por sí de un encuentro de boxeo.

Nada fuera de lo común, un “paseo” de Stallone y De Niro por la pantalla grande para divertirse y divertirnos.

Elsa Bragato

LA BIOPIC SEMANAL

“EL SUEÑO DE DISNEY”

De John Lee Hancock. Con Tom Hanks, Colin Farrell, Emma Thompson, Paul Giamatti, Annie Rose BUckley, entre otros. Música de Thomas Newman. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. BIOPIC SOBRE LA GESTACIÓN DE “MARY POPPIINS”

Lo primero que hay que aclarar es el título en inglés porque nos dice mucho más que en castellano: “Saving Mr. Banks”. O sea “Salvando al señor Banks”. Banks que es el personaje central del libro “Mary Poppins”, de Pamela L. Travers, y quien pide una niñera para sus hijos, y será Mary Poppins. La “salvación” de Banks está justamente en esta película: trayendo a la memoria la historia de Mary Poppins y la gestación del film.

Tom Hanks interpreta a las mil maravillas a Walt Disney, un empresario misógeno y discriminador que solo tuvo un film sobre su persona en toda la historia de Hollywood, y ahora éste (¿quién se atrevería a contar cómo era en la pantalla grande sin sufrir la “descarga” del “poderío Disney”?). Se narra las largas diligencias de Disney para lograr el permiso de la autora inglesa-australiana P.L. Travers y llevar al cine la saga de Mary Poppins. Solo consiguió cinematografiar el primero de los ocho libros.

Emma Thompson compone a Pamela L. Travers con todos los matices histéricos de su personalidad logrando la apoyatura de su físico en un papel comprometido. Paul Giamatti, siempre grato en cualquier rol, encarna al chofer de la empresa Disney encargado de trasladar a la insoportable Travers.

Disney logró que la escritora dejara su mansión inglesa solo por 15 días en 1961 y visitara Los Angeles y su parque Disneyland, muy cerca de allí. La irascible Travers no deseaba que la “máquina de hacer dólares” desdibujase su personaje, no quería ni música ni dibujos animados, dos protagonistas fundamentales del film de 1964 que perduran en la memoria paradójicamente.

Es realmente un duelo actoral el que entablan Hanks y Thompson, con flashbacks de la niñez de Travers encarnada por la pequeña canadiense Annie Rose Buckley. Su padre, Travers R. Goff está a cargo de Colin Farrell quien compone uno de sus mejores roles, dotándolo de una sensibilidad y locura que conmueven. Es en la niñez donde se descubre el origen de este carácter hosco e irascible de la señorita Travers. Y tardíamente Disney sabrá que no se llama así y que no es inglesa: Helen Lyndon Goff de Maryborough, Australia.

Encontramos mucha emoción y grandes actuaciones dentro de un formato clásico y atractivo por el minucioso diseño de arte, con aportes de Richard Sherman, uno de los dos compositores del film original. Y la colaboración de la empresa Disney y sus maravillosos archivos de los que algo se ve en los créditos finales. No se apela a hechos de la vida personal de Travers (Travers también fue hosca y déspota en su vida personal) ni de Disney, sino a esta larga negociación donde el empresario desplegó toda su seducción para que la escritora confiase en el producto final y salvar su mala situación económica. Es un film para disfrutar y conocer el “backstage” antes que la película, que cumple 50 años, comenzara a rodarse. Quince días claves en la historia del cine.

Elsa Bragato

LA VUELTA DEL CINE NACIONAL

POR UN PUÑADO DE PELOS

De Nestor Montalbano. Con Nicolás Vázquez, Carlos “El Pibe” Valderrama, Rubén Rada, Norma Argentina, Ivo Cutzarida, entre otros. Música de Pablo Borghi. Duración: 96 minutos.

BUENA. DELIRIO AL MÁXIMO EN TONO BIZARRO

El realizador Néstor Montalbano, director también de “Soy tu aventura” y “Pájaros volando” protagonizadas por Diego Capusotto, regresa con su estilo delirante, basado en la caricatura y el ridículo. En este caso, parte de un guión alocado: la existencia del Santo Chapí, Patrono de la Buena Vida y del Cabello, en las aguas de una cascada sanadora. Un millonario, que encarna Nicolás Vázquez, se entera por el encargado del edificio de la existencia de esas aguas y, como su cabello está raleándose, pone manos a la obra. Nada será fácil, ni siquiera un pingüe negocio por la resistencia de dos personajes (Rubén Rada y Carlos Valderrama) ni la presunta llegada a esos parajes del famoso Luis Miguel (¡el portorriqueño ha tenido problemas reales con su cabellera!). Dislate, locura total, desparpajo, con actores que se prestan a este juego y lo hacen muy bien. Pretender otro tratamiento narrativo para este film, tal vez con un toque menos bizarro, significaría no aceptar la propuesta y convertirse uno en director de lo que no lo es.

Para fanáticos del estilo Capusotto.

Carlos Pierre

CINE ARTE

ESTO NO ES UN FILM

De Jafar Panahi, Mojtaba Mirtahmasb. Duración: 75 minutos.

“Esto no es un film” es exactamente lo que indica. Si queremos categorizarlo, decimos que es un documental sobre un día en la vida del director iraní Jafar Panahi, sentenciado a 6 años de prisión y a 20 de prohibición para rodar un film, sentencia que espera en el momento de llamar a un camarógrafo para retratarlo en su amplio departamento, contándonos un futuro guión, cómo alimenta a la iguana Igy, y los mensajes de sus familiares en el contestador. Resulta muy interesante para cinéfilos.

EB

EL “PALO” DE LA SEMANA

YO, FRANKESTEIN

Guión y dirección de Stuart Beatti, según la historieta gráfica de Kevin Grevioux. Con Aaron Eckhart, Yvonne Strahovski, Aden Young, Billy Nighy, entre otros. Música de Johnnie Klimek y Reinhold Heil. Duración: 93 minutos.

MALA. INSÓLITO MONSTRUO EN UNA HISTORIA QUE HACE AGUA

Kevin Grevioux, actor y escritor de cómics, ideó este Frankestein que, a 200 años de la creación de Mary Shelley, esposa del poeta Percy Shelley, no tiene nada en común con su historia. Frankestein era el doctor, título que no tenía pero que se le adjudicó, que creó un monstruo cuyo destino fue tan incierto que quiso matarlo. En el caso del film de Stuart Beatti, se toma el nombre del doctor y se le aplica al “monstruo” cuando en realidad se llama “Adam”, que no es otro que Aaron Ekhart, un actor atlético y bello con algún maquillaje que nos indican quién es, o sea la creación del personaje de la autora Shelley, con las modificaciones de Grevioux.

Al guionista y director no le importó mucho esta traslación del apellido. Lo toma como “gancho” o “cazabobos” para que nos creamos que veremos a la creación del doctor Frankestein remozada. “Adam” es  un ser con poderes especiales que domina el “kali”, arte marcial filipino en el que se defiende con dos palos, de origen fantástico en el film. Vamos, todo un superhéroe, y se enfrenta a monstruos, hay peleas muy bien coreografiadas, artes marciales a pleno. Los efectos especiales gozan de muy buena salud y tienen un indudable impacto en el espectador que se sorprenderá por la magra línea argumental, el infantilismo del que se ha dotado a la narración y la apostura de este Frankestein, sin tornillos en la cabeza y con el poder de los dioses. Raro, una mezcla de personajes, de apellidos. La cuestión era traer al siglo XXI la creación del doctor Frankestein. Sin embargo, bien se pudo apelar al libro de Shelley y hacer una remake como la gente. Esta película es un total fiasco.

Carlos Pierre

"ESCÁNDALO AMERICANO", "JACK RYAN, CÓDIO SOMBRA" Y "LADRONA DE LIBROS", ESTRENOS JUEVES 23 ENERO

JUEVES 23 DE ENERO DEL 2014.-

Hay tres estrenos.

DOS PELÍCULAS PARA LOS OSCARS

AMERICAN HUSTLE

De David O. Russell. Con Christian Bale, Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Amy Adams, Robert De Nito, Jeremy Renner, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 138 minutos.

MUY BUENA. IMPERFECTA CON FASCINANTES ACTUACIONES

David O. Russell (“El lado luminoso de la vida”, “The fighter””) encara un proyecto ambicioso como sus films anteriores y se vale de sus artistas predilectos: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Christian Bale, Jeremy Renner, Robert De Niro. Tomó el caso real de la llamada “Bascam Investigation 1978” y armó un compacto muy interesante, permitiendo el lucimiento de su elenco.

“Escándalo americano” se basa en un ambicioso agente del FBI que quiere escalar posiciones encontrando en un “sobreviviente” de la pobreza  como Irving Rosenfeld, dueño de varias tintorerías, de una galería de arte trucha y estafador consuetudinario con la fachada de decente prestamista, al chanta perfecto para pescar “in fraganti” a corruptos políticos, coimeros, envueltos en la posible ayuda de un millonario jeque árabe (tan trucho en el caso real como en el film) al flamante Marshall de un condado de New Jersey. Éste necesita inversión para desarrollar la ciudad de Atlantic City y sus atractivos casinos.  La tarea no es sencilla porque inevitablemente aparece la mafia, encabezada por Robert De Niro en el papel de Víctor Tellegio, breve incursión pero toda una “master class”.

Podría ser un policial más de no tener semejante elenco, con actuaciones superlativas que superan y mucho el guión y la cinematografía en sí misma. Soberbios Christian Bale como “Rosenfeld”, notable Jennifer Lawrence como la esposa engañada y despechada, Amy Adams como la amante y socia, Bradley Cooper como el ambicioso y desesperado agente de la CIA. Las secuencias donde las dos mujeres se encuentran (Lawrence y Adams) son enseñanzas de actuación. Conmueve Lawrence, la misma de “Los juegos del hambre”, de “Winter’s Bone”, de “El lado luminoso de la vida” por la que ganó un Oscar el año pasado. A sus 23 años lleva ganados más de 100 premios. Así como Amy Adams trasluce erotismo y pánico de un modo notable, con una expresión en su mirada que suple cualquier parlamento. Christian Bale, que también le otorgó a Batman, bajo la dirección de C. Nolen, una humanidad insuperable, logra una composición de Rosenfeld de tamaña naturalidad que perturba. Bradley Cooper, el agente de la CIA que oculta su pobreza pero no su afán de ganar posiciones, está un poco por debajo de su composición en “El lado luminoso de la vida” pero verosímil.En esto de “estar un poco por debajo” tienen mucho que ver el guión y la resolución del film que lo deja trastabillando en una secuencia previsible. Estamos ante una película de tensión creciente, con un tema caro para los norteamericanos, no tanto para nosotros.

Respecto de la tensión dramática, el “pathos” del relato, distinguimos dos etapas: la primera, en la que el protagonista (también relator en “off” de su vida) se enamora del personaje a cargo de Amy Adams, y una segunda, con la aparición de Jennifer Lawrence, que obligadamente otorga más “nervio” a la historia.

Por lo que hay momentos en las que uno puede sentirse por fuera de la historia pero nunca fuera del drama que viven los personajes. El film es excelente aún con sus imperfecciones narrativas, las menos pero que están. Imperfecto y fascinante, este “escándalo americano” nos conmueve por la mayoría de las actuciones, por ese amor ilegal que quiebra sutilmente los enfrentamientos entre políticos y mafia, y que obliga a los personajes a enfrentarse en la vida que tienen por fuera de la densa situación de estafas que generan. Se cuenta una historia real basándose en las actuaciones en clave de comedia dramática, bordeando el cinismo aún en las secuencias más policiales, retratando los 70  con una presencia curiosa como “gancho” amoroso: la del gran Duke Ellington. Una película para tener en cuenta que está en condiciones de alzarse con varias estatuillas de los Oscars: tiene 10 nominaciones.

Elsa Bragato

LADRONA DE LIBROS

De Brian Percifal. Con Sophie Nelisse, Georfrey Rush, Emily Watson, Nico Liersch, Ben Schnetzer, Roger Allam, entre otros. Música de John Williams. Duración: 131 minutos.

BUENA. UNA HISTORIA CONMOVEDORA CON SUS MÁS Y SUS MENOS

El libro best-seller de Markus Zusak, publicada en Australia en el 2005, llega al cine con esta coproducción de Estados Unidos y Alemania. Nos cuenta la historia de Liese que es adoptada por la pareja de alemanes de Hans y Rosa en 1936, cuando el nazismo invade Alemania y la persecución a los judíos es un hecho. Su hermano muere en brazos de su madre, y la niña es llevada al hogar de Hans y Rosa. Conserva el libro que se le cayó a un sepulturero en el momento de enterrar a su hermanito, un Manual para Sepultureros, pero no sabe leer y no sabe de qué se trata ese tesoro que aprieta entre sus manos. Será su padre adoptivo quien le enseñe a partir del manual, despertando en la niña una pasión por las palabras. Será el joven Max, judío que la familia de Hans acoge en el sótano, será la biblioteca del alcalde para quien trabaja su madrastra Rosa planchándole las camisas, quienes le descubran el secreto de las palabras y la pasión por escribir.

Brian Percifal logra momentos de enorme belleza visual. El gran plano secuencia inicial, que vimos en películas como “Amor sin barreras” y la reciente “La invención de Hugo Cabret” (capolavoro de Martin Scorsese) con la banda sonora de John Williams, basándose en un murmullo de violines y violoncellos, es de una estética sublime.

Pocas veces hemos visto en el cine, no en la literatura, que sea la muerte quien nos indique el camino de los personajes. En la voz de Rober Allam, esta enemiga pertinaz y amiga de nuestro Final es la narradora en ‘off’ que nos cuenta la historia de Liese y cómo las almas se le entregan, algunas dulcemente, otras sabiendo a rabia. Tal como en el libro.

El film fue rodado en Alemania. Y se debió construir la Calle Himmel (significa “cielo” en alemán) donde la familia de Hans y Rosa viven. También se rodó en el pueblo Gorlitz, al este de Alemania, a la vera del río Lusatian Neisse, en la Bundesland de Saxony.

Hay secuencias muy tocantes, retratos perfectos de la cruel realidad que vivió la Alemania de Hitler (y el mundo entero). Hay también algunos blancos argumentales que los adaptadores (Michael Petroni y su equipo) han explicado: resultó muy difícil reunir en un guión el relato de Markus Zusak. No obstante, para tan preciosa y preciada historia, debieron tenerse en cuenta algunos aspectos de postproducción como el corte abrupto de cuatro secuencias.

La actuación de Geoffrey Rush vuelve a conmover profundamente en el papel de este padre vago y amante de la pequeña Liese a quien llena de motivaciones intelectuales a pesar de la simpleza de su propia instrucción. Cálido, generoso, Rush compone a un Hans inolvidable. Emily Watson lo acompaña a la perfección en esa madre dura que solo esconde un profundo amor por su familia. El pequeño Nico Liersch como Rudy logra gran performance, mientras que Ben Schnetzer, como el refugiado Max, enternece. Hay una secuencia maravillosa: mientras los pueblos son bombardeados y todos se han escondido en un sótano habilitado como refugio, Max- Schnetzer tiene oportunidad de salir y ver el cielo estrellado pleno de los relámpagos de las explosiones. La cárcel de unos es su libertad por algunos segundos. La quema de libros y el bombardeo final a la calle Himmel son otras dos secuencias de gran conmoción. No es necesario describir la horrorosa Segunda Guerra Mundial porque el protagonista no es la historia en sí sino la biografía de una niña que aprende a amar las palabras.

Sophie Nelisse es aquella niña canadiense que nos tocó el corazón en “Profesor Lahzar”. Aquí se logra una caracterización de su niñez hasta su adolescencia que es mérito ineludible de los “trucadores” del film. Y Nelisse vuelve a componer un buen personaje, que conmueve, que llega al corazón.

Para quienes leyeron el libro, probablemente el guión sea imperfecto. Para quienes no lo leímos, el guión tiene flaquezas que, de existir en el libro, no debieron trasladarse al cine. Y se notan. En el cine se necesitó saber algo más de la familia natural de Liese y menos cortes abruptos de secuencias (al menos ocurren en 4 oportunidades). Pero, como dijimos, las actuaciones y varias secuencias de belleza y espanto al mismo tiempo logradas por Brian Percifal superan estas debilidades, sumándose las actuaciones apuntadas. La banda sonora de John Williams, a diferencia de otras tantas que realizó, es menos estridente y subraya la intención buscada por el director en el relato. Con imperfecciones, pero para disfrutar, para enternecerse, para ver.

Elsa Bragato

EL SUPERPOLICIAL DE LA SEMANA

JACK RYAN, CODIGO SOMBRA

De Kenneth Branagh. Con Chris Pine, Keira Knightley, Kevin Costner, Kennet Branagh, entre otros. Música de Patrick Doyle. Duración: 105 minutos.

MUY BUENA. TECNO-THRILLER  CON ROMANCE INCLUIDO

Por quinta vez nos llega un personaje creado por Tom Clancy, fallecido tempranamente el año pasado. Antes de Chris Pine, protagonista de este aggiornado Jack Ryan, fueron Alec Baldwin en 1990, Harrinson Ford en 1992 y 1994 y Ben Affleck en el 2002. La historia de Clancy no fue tenida en cuenta pero sí sus personajes y, obviamente, el entorno del protagonista, un héroe en este caso de Afganistán devenido en agente de la CIA gracias a sus conocimientos de análisis de sistemas. Kevin Costner (como el agente Thomas Harper) es quien lo detecta como experimentado marine con título superior y lo mete de lleno en una misión en Moscú. Kenneth Branagh, notable actor y director shakespereano, dirige un film con fluidez sobre espionaje global. Y su papel del ruso Kikroch Cherevin está dotado de la grandeza de este actor que habla en ruso y adquirió el acento ruso para hablar en su propio idioma inglés.

La historia se sitúa en el 2001 cuando ocurre el ataque a las Torres Gemelas y estoy pone en alerta a Jack Ryan. En el 2003 sirve a su país como marine en Afganistán, sufre un terrible accidente y, luego de meses de recuperación, logra superar la parálisis de sus piernas y tiene amor: su médica, la exquisita Keira Knightley. El agente de la CIA Harper lo lleva a las oficinas del organismo donde Ryan descubre que empresas rusas provocarán una devaluación del dólar, lo que determinaría un “default” de los Estados Unidos además de un atentado en el centro de Wall Street.

Moscú y los zares rusos del capitalismo reciben a Jack Ryan, provocándose situaciones límites como el rapto de su novia y persecuciones y explosiones, así como luchas notablemente coreografiadas, que le dan marco policial al film. Hay una gran similitud con Jason Bourne, saga que protagonizó Matt Damond (de las mejores en su tipo), con la diferencia de que Ryan no tuvo lavaje de cerebro. Así se unen el entrenamiento del marine con las habilidades del exitoso universitario.

Secuencias muy impresionantes se suceden con explosiones de vidrios, palizas y muertes brutales, además de electrizantes escenas en Wall Street cuando se alerta sobre el atentado. A partir de la media hora del film, nadie permanece impasible en su butaca. La habilidad de Kennet Branagh es indiscutible para filmar: abona la narración con espléndidos “sights” aéreos de Moscú, con variedad de tomas, y no pierde nunca el nervio del guión salpicado con la historia de amor de Ryan (no está casado como Harrison Ford en sus dos films con este personaje) y su pareja (Knightley). Romance y acción, un dúo imbatible para pasarla más que bien. Novedoso? No. Muy bien realizado.

Elsa Bragato

ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 16 ENERO 2014

JUEVES 16 DE ENERO DEL 2014.-

Hay cinco estrenos. “Dos pavos en apuros” es la animación semanal de Kimmy Hayward. La historia de un pavo que es salvado por el presidente de los Estados Unidos el Día de Acción de Gracias y la llegada de otro, rebelde, que intenta cambiar el destino del sacrificio de los pavos en ese día volviendo al pasado. No hay elementos que redescubran la animación, es más de lo mismo y, si bien a los adultos no nos conformó, sabemos que será un film bien recibido por los chicos. En cuanto a “El tiempo de los amantes”, de Jerome Bonnell, es una historia de amor entre adultos, con el fondo de París, las idas y venidas del amor al estilo Linklater, una relación fugaz, el “permiso” de dos que se flechan. No es Truffaut ni es un David Lean. Buena sin sorprender. Finalmente, “Familia Peligrosa”, de Luc Besson, nos remite a “Casada con la mafia”, con Michelle Pfeiffer, quien aquí es la pareja de Robert De Niro, el “hombre para estos papeles”, sin duda alguna. Con un tercero que es nada menos que Tommy Lee Jones. Una pareja es “testigo protegido” en Francia, pero él (De Niro) se las ingenia para engañar al cuidador (Jones). Parodia, gángsters, tiros. Las películas de De Niro siempre tienen, salvo que el actor posea algún interés especial, una suerte de clishés en los últimos tiempos que nos da la impresión de ver un mismo personaje en todas. La “saga” de De Niro, pero es… De Niro. Buena, sin enloquecernos.

CIENCIA FICCIÓN PARA LA SEMANA

EL JUEGO DE ENDER

De Gavin Hood. Basado en el libro de Orson Scott Card. Con Harrison Ford, Asa Butterfiel, Viola Davis y Ben Kingsley, entre otros. Música de James Horner. Duración: 113 minutos.

BUENA. CIENCIA FICCIÓN DE BUENA FACTURA

Nada puede sorprendernos salvo la perfección alcanzada por la tecnología y cómo los elencos se adaptan a situaciones diferentes en los sets. En este caso, la adaptación del clásico de Orson Scott Card fue la tarea ardua de Gavin Hood, alcanzada con resultados excelentes. La opacidad, en todo caso, se encuentra en el desarrollo de la historia que pudo tener más osadía y crudeza.

El film se ubica en el año 2070 y la Humanidad está en guerra con una raza extraterrestre conocida como los “insectores” por su parecido con los insectos. Tras fracasar la primera invasión por la valerosa acción del héroe que interpreta Ben Kingsley (rostro tatuado como un maorí), los terráqueos forman una flota internacional para luchar contra los invasores.

La novedad de la película de Gavin Hood reside en el libro de Scott Card donde se proclama la inteligencia de los niños y adolescentes que, por la afición a los juegos electrónicos, pueden conformar grupos de avanzada desde puestos de mando, siendo capaces de manejar los más complicados “softwares”.

Harrinson Ford vuelve a interpretar a un personaje de aventuras, ahora en ciencia-ficción, como un duro coronel, secundado por la estupenda Viola Davis en la instrucción del joven genio de la computación, rol a cargo de Asa Butterfield, el protagonista de la inolvidable “La invención de Hugo Cabret” de Scorsese.

Destacamos los efectos fascinantes que logra Hood con la gravedad, uno de los temas técnicos a resolver, así como la banda sonora de James Horner, un clásico del cine. Más allá de la parafernalia futurista, que es atrapante, el texto de Orson Scott Card impone su presencia por rescatar a los jóvenes como los capaces para resolver el futuro de la Humanidad y, además, capaces para lograr la paz en el cosmos. Al no faltar los objetivos del escritor, el film transita por la historia con aciertos y otros no tanto, pero, en definitiva, de manera atractiva.

Carlos Pierre

LA NACIONAL DE LA SEMANA

EL MISTERIO DE LA FELICIDAD

Guión y dirección de Daniel Burman. Con Guillermo Francella, Inés Estévez, Fabián Arenillas, Alejandra Awada, María Fiorentino, entre otros. Música de Nico Cota. Duración: 92 minutos.

REGULAR. COMEDIA SIN SORPRESAS

El costumbrismo porteño de Daniel Burman, con excelentes referentes como “El abrazo partido” se perdió. En el caso de “El misterio de la felicidad”, el guionista y realizador no logra pisar tierra y hace agua.

El comienzo nos da un indicio claro de lo que veremos: los personajes de Guillermo Francella y Fabián Arenillas, dos socios en la vida y en el negocio de electrodomésticos, desayunan el típico café con leche y medialunas, en una secuencia abrumadora de 10 minutos. Pero este hombre desaparece un día de la vida de su socio y de su esposa, a cargo de Inés Estévez, quien no muestra una actitud trágica o de desesperación ante semejante desaparición. El adivino o “chanta”, los personajes y situaciones que parecen abonar la mayoría de las películas nacionales, hacen su aparición. Nada nuevo bajo el sol.

Ni siquiera el final es sorpresivo. Todos sabemos, intuimos, que el marido se fue para vivir la mejor vida y que Francella entonces posará sus ojos donde los amigos no deben hacerlo. Está cantado desde el vamos.

De allí que, más que analizar esta película que no nos conformó ni sorprendió ni en su realización ni en el tema, optamos por analizar el apego a los tics televisivos que seguimos encontrando en nuestros directores de cine. Hasta la música incidental de Nico Cota nos permite rescate alguno, es una apoyatura musical intrascendente y, hoy en día, inadmisible en la industria cinematográfica. Al margen quedan las actuaciones porque nuestros actores son excelentes y pelean con todo los parlamentos que tienen.

No negamos el imán de Guillermo Francella, su calidad actoral, la de Inés Estévez, la de Alejandro Awada. Son, en todo caso, la carta de salvación del film de Daniel Burman.

Carlos Pierre

ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 9 DE ENERO 2014

JUEVES  9 DE ENERO DEL 2014.-

Hay tres estrenos esta semana en Buenos Aires. “Entre sus manos” es la ópera prima del galán Joseph Gordon-Levitt quien, junto a Scarlett Johansson y Julianne Moore, rescata la leyenda de Don Juan y la adapta al siglo XXI. El no solo dirige sino que también actúa y compone al protagonista del film.  Su adicción es el porno, ver películas porno, y esto lo lleva a entablar relaciones con dos mujeres de edades muy diferentes (Johansson y Moore). Una de las principales críticas a esta comedia es la ligereza con la que trata los personajes, una pasadita por arriba de sus emociones y conflictos. No obstante, es una buena comedia, entretenida.

Como novedad, está el reestreno de “Los bañeros más locos del mundo” en versión 3D protagonizada por  Emilio Disi, Berugo Carambula, Gino Renni, Fernández de Rosa. El film tiene 27 años: fue estrenado el 5 de febrero de 1987.

CAMINANDO CON DINOSAURIOS 3D

De Barry Cook y Neil Nightingale. Con la voz en el original de Justin Long para el personaje de Patchi o Patch. Música de Paul Leonard-Morgan. Duración: 87 minutos.

REGULAR. SIMPÁTICO RELATO ESPECIAL PARA ESCUELAS

A manera de documental, esta animación cuenta con la unión de actores de carne y hueso y animación. Está filmada en Alaska, Nueva Zelanda, e incluso Chile, como principales locaciones. Antes de avanzar en nuestro comentario, hay que señalar que parte de seis documentales realizados por la BBC de Londres en 1999 y luego se vio mundialmente a través de Discovery Channel en episodios de media hora.

La idea es muy didáctica: se cuenta la vida de los dinosaurios a partir del nacimiento de un bebé “paquirinosaurio”. El protagonista es “Patch” o “Patchi”, con voz en off de narradores (dos, muy similares, que cuesta distinguir), que nos narra su vida en el último período del Cretácico, habitantes de Alaska especialmente.

El film tiene aspectos demasiado didácticos para el cine: detener las imágenes y mostrarnos las distintas especies de saurios detallando sus partes físicas. Así conocemos a otros gigantes del pasado que fueron enemigos de los paquirinosaurios, desde aves omnívoras hasta amigos herbívoros como ellos. Desde este punto de vista, es interesante pero, insistimos, no es cinematográfico.

Si bien “Patch” es quien nos cuenta su vida, cuenta con la ayuda de un ave, Alex, que lo ayuda a narrar y describir lo que vamos viendo: desde bosques (filmaciones reales fantásticas) hasta lagos congelados, playas, montañas, y el éxodo hacia el sur y el norte respectivamente durante el invierno y el verano respectivamente. Veremos peleas feroces, la muerte del padre de Patch, la rivalidad con su hermano, y una noviecita por la que el protagonista se hará fuerte y peleará.

Hay una historia de amor y de fraternidad que resulta simpática y aleccionadora para los chicos. Sin embargo, dado el costo de las entradas para ver 3D, nos parece poco cine y mucha tele. No dudamos de la taquilla porque el redescubrimiento de los dinosaurios hace 30 años a través de un film fue y es más que atractivo para los chicos y grandes también. El doblaje al castellano es muy deficiente para nuestro público. Se realizó en Chile pero sin utilizar el “neutro” por lo que hay expresiones que no nos resultan familiares.

Elsa Bragato

47 RONIN 3d

De Carl Rinsch. Con Keanu Reeves, Horiyuki Sanada, Ko Shibasaki, Cary Hiroyuki Tagawa, entre otros. Música de Javier Navarrete. Duración: 120 minutos.

BUENA. LEYENDA JAPONESA QUE ATRAPA

“Los leales 47 Ronin” (ronin significa “samurái sin amo”) es una leyenda del siglo XVIII del Japón que todos los 14 de diciembre recibe el homenaje de miles de personas donde supuestamente están enterrados: 47 samurai sufren la muerte de su amo, y son desterrados. Se rearman y se vengan reconquistando su terruño. Sin embargo, el señor zonal, el Shogun, los condena a la "muerte" pero con "honor": practicarse el hara-kiri de acuerdo a la tradición. El sacrificio masivo fue un impacto para la sociedad japonesa de entonces que hasta hoy los venera.

Los primeros planos secuencias de Carl Rinsch nos recuerdan el estilo del gran Robert Wise. Rinsch ha sido muy criticado por este film así como Keanu Reeves, y nos parece que injustamente. Veamos por qué no compartimos esos comentarios: el argumento se apoya en una historia romántica, la de Kai (Keanu Reeves) y Mika (hija de su protector, a cargo de Ko Shibasaki), para traer nuevamente a la pantalla esta leyenda japonesa con tintes de espectacularidad como un toro animatronic que pone a prueba al protagonista, o los espíritus que habitan el bosque donde fue criado, y el dragón (gran creación por computación) con el que debe luchar. Se han agregado personajes como el de Reeves justamente para acercar una historia que podría resultar remanida (las luchas orientales) a las audiencias del siglo XXI. Hay un raro equilibrio entre el drama y la acción evitando lo “gore” como bien podría haber sucedido con el suicidio masivo de los “ronin”.

Convengamos con sinceridad que, de no ser por Reeves, el film no tendría mayor atractivo salvo para fans de la cultura oriental. Se habla de su impasividad actoral pero justamente ese rasgo lo ha convertido en una estrella, en una celebridad. Como paria mestizo en su rol de Kai demostrará su valor y sus artes mágicas para, en principio, ser un “ronin” cuando el líder de la familia samurái que lo ha recogido es asesinado. Y, junto al grupo de luchadores, devendrá en samurái, con un destino aciago aunque de honor. El amor que lo une a Mika es un acicate para luchar hasta el final, y, si bien es el tema que sobrevuela a la venganza de los ronin, tampoco Carl Rinsch se apoya en ella, salvo para mostrar profunda fidelidad. Keanu Reeves le da al film un interesante atractivo dado que el actor Hiroyuki Sanada, en el papel de Oishi, verdadero líder de los samurái devenidos en ronin, no es una estrella en el mundo occidental. Reeves, como paria y luego ronin, le da apoyatura a su personaje.

Vale añadir que el primer film conocido sobre esta leyenda data de 1941 y pertenece al reconocido Kenji Mizoguchi. Sin embargo, hay decenas de películas sobre esta leyenda en Oriente. La remake de Rinsch se toma libertades que son, en todo caso, un aporte de la tecnología para atraer al público actual, como el agregado del personaje de Reeves que, en un supuesto segundo plano, es el motor de la historia. Hoy en día las tumbas de los ronin se visita en Sangaku- Ji, Tokyo. Aclaramos que son 46, algo que el amigo lector verá en el film. Finalmente, como producto de la cultura oriental, la mujer ocupa un segundo lugar. Es una historia ciento por ciento masculina con la inclusión de una historia de amor que Carl Rinsch agregó con sabiduría para atraer a la platea femenina. Sin ser la mejor película del género, atrapa y va ganando en acción y suspenso a medida que transcurre. Para distraerse y pasarla bien.

Elsa Bragato