PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 28 de abril de 2011

THOR, UN TREN A PAMPA BLANCA, SCREAM 4, MIS TARDES CON MARGHERITTE, ESTRENOS DE CINE JUEVES 28 ABRIL, BUENOS AIRES


JUEVES 28 DE ABRIL DEL 2011.-
Hay cinco estrenos. No comentaremos “Felinos en África” porque ese tipo de documentales se ven en algunas señales de cable y las escenas de violencia animal no nos agradan.
THOR
De Kenneth Brannagh. Con Anthony Hopkins, Chris Hemsworth, Natalie Portman, entre otros. Música de Patrick Doyle. Duración: 113 minutos
MUY BUENA. CÓMIC CON PARLAMENTOS A LO SHAKESPEARE Y ESTRUCTURA DEL DANTE ALIGHIERI. DIFERENTE Y ATRACTIVO.
Kenneth Brannagh en un notable actor y realizador irlandés (lleva más de 10 films incluyendo cortos) y un gran estudioso del teatro Shakeapeare. No obstante, se ha dado el gusto de interpretar papeles diversos en diferentes géneros fílmicos. Le faltaba dirigir una película en 3 D y no dudó en aceptar el cómic de Marvel llamado “Thor”, ese guerrero vikingo desterrado por su padre enfrentando a su malvado hermano que intenta matar al progenitor.
Si se ingresa al género del cómic y además se utilizan efectos en 3D siempre se caerá en lugares comunes que son los que permiten el esplendor de esta técnica que se disfruta con anteojos bicolores. Brannagh no es la excepción. Nada más que, entre líneas, no escapará al espectador que lee y mucho la dirección actoral propia del teatro de Shakespeare en muchos parlamentos del gran Anthony Hopkins, sus modulaciones, y su postura escénica, como también reconocerá en la utilización de planos-secuencias que, tal como están plasmados en la narración audiovisual, solo pudo concretarlos quien, además de literatura inglesa, conoce la estructura de la Divina Comedia del Dante Alighieri. La cámara comienza en ese mundo virtual, dorado, espléndido y de computadora para pasar por un colchón de nubes y detenerse en las espaldas de Natalie Portman, la investigadora terrestre ubicada en Nueva México, Estados Unidos.
Solo quien conoce La Divina Comedia pudo realizar ese plano secuencia donde se unen dos reinos. El del pecado? El de la violencia? El puramente virtual junto al plenamente terráqueo? Brannagh tiene el secreto y creemos haber dado en el “clavo”.
Los diálogos también llaman la atención muchas veces, al margen de la parafernalia de los efectos en 3D: poner en boca de severos agentes del FBI frases con relación a otros superhéroes o muy actuales luego del atentado del 11 de setiembre son recursos que ha incluido Brannagh.
Enriqueció un cómic, que no deja de ser tal con sus más y sus menos, y le añadió el conocimiento de estructuras literarias jamás superadas. Hamlet y la Divina Comedia son toques que Brannagh maneja, conoce, disfruta y nos regala porque tuvo ganas.

Anthony Hopkins hace un gran papel como el rey Odín, creíble como pocas veces en performances tan elaboradas. Thor está encarnado por el joven actor australiano Chris Hemsworth, apolíneo y, si bien carilindo, con personalidad para actuar! Y, por supuesto, Natalie Portman, seguramente antes de El Cisne Negro.
Nos parece un muy buen cómic con, como ya dijimos, algunos clishés y sus más y menos, pero enriquecido por la estructura narrativa propuesta por Brannagh y por la dirección actoral donde a personajes de historieta les ha otorgado la majestuosidad de los personajes de Shakespeare. No es poco para un cómic.
Elsa Bragato

MIS TARDES CON MARGHERITTE
De Jean Becker. Con Gérard Depardieu, Giséle Casadesus, entre otros. Música de Laurent Voulzy. Duración: 82 minutos.
BUENA. CANTO A LA AMISTAD Y AL AMOR. FILM TIERNO, SENCILLO Y CONMOVEDOR
Estamos frente a un encuentro singular y emotivo entre una anciana de 95 años y un cincuentón rústico excedido de peso, casi analfabeto, en un pueblo francés. La anécdota es el encuentro en un banco de la provinciana plaza de los dos personajes indicados que se relacionan por un tácito amor entre una señora mamá y un hombre que no mantiene buena relación con la suya, surgiendo así diferentes motivos de interés cotidiano como la lectura, el amor a los animales, la charla amena sobre las cosas simples de la vida.
La actriz Giséle Casadesus, de vasta trayectoria en la Comédie Francaise, y el notable Gérard Depardieu, de innegable carisma y capacidad actoral, conforman un binomio deslumbrante, especialmente para las emociones.
El director Jean Becker, que viene de familia de realizadores (padre, hermano) transita con comodidad el difícil camino del cine. Incluso ha revelado, con infrecuente modestia, que no posee demasiada imaginación  por lo que recurrió -en 11 de sus 12 películas- a la literatura como material para guionar. En este caso, se basa en la novela de Marie-Sabine Roger donde afloran textos de Albert Camus como La Peste y El Extranjero, y es un ejemplo más de la interminable lista de películas francesas que se cimentan en la literatura.
La historia está bien estructurada. No se escapan detalles del pasado del protagonista, “Germain”, que fundamentan la relación con la anciana y su devoción por cuidarla, y la que mantiene con su madre, que siempre lo criticó por ser grandote y gordote.
Un bar de pueblo, sus habitués, sus chanzas y sus historias particulares, 19 palomas (bien contadas por “Germain”)con sus nombres alrededor del banco de la plaza donde Margheritte y Germain se encuentran ocasionalmente, la novia de Germain, la madre terca, redondean una comedia muy amable y emotiva. Hay secuencias un poco extensas pero que hacen a la esencia del film, por ejemplo, la lectura de fragmentos de La Peste que Margheritte no duda en hacerle conocer a Germain, o bien la búsqueda en el diccionario de nombres y palabras frente a su gato que Germain realiza con charlas a ese “alter ego” que lo mira y acepta complaciente.
Hay climas bien logrados, a “giorno” en la plaza; con penumbra en algunos rincones del carromato donde vive Germain. La música, por otra parte, de Laurent Voulzy acompaña desde los títulos de apertura hasta los créditos finales con una orquestación bien “a la francesa” en la que no escasean los músicos, los atriles.
Pasado y presente montados ágilmente, ternura en los protagonistas, una historia sencilla que, en algunos momentos, nos toca en algo a cada uno. Para los adultos que buscan buenas películas, sin que sean las más virtuosas del firmamento cinematográfico.
Carlos Pierre
UN TREN A PAMPA BLANCA
De Fito Pochat. Documental hispanoargentino. Música de Sergio de  la Puente. Duración: 79 minutos.
BUENO. UN HOSPITAL SOBRE RUEDAS PARA LOS MÁS NECESITADOS
Este documental de Fito Pochat tiene, a su favor, el mostrarnos algo que la mayoría de los argentinos desconocemos: la existencia del Tren Alma, un tren hospitalario formado por tres vagones que se adosan a una formación del Belgrano Cargas. Desde Buenos Aires, un grupo de voluntarios médicos viajan hasta esta zona del sur de Jujuy, lindante con Salta, llamada Pampa Blanca (es zona de salitres), con poco más de 3600 habitantes. La necesidad de los pueblos aborígenes o bien de los argentinos nacidos en esos parajes es absoluta. Los niños padecen todo tipo de enfermedades, los médicos tratan desde adultos a bebés, muchas veces deben derivar los casos más agudos de desnutrición, se enfrentan al Mal de Chagas, tuberculosis, desnutrición, entre tantas otras enfermedades.
El documental aspira a mostrarnos una verdad, tiene algunas secuencias muy bien fotografiadas mientras el tren se acerca al paraje, luego se torna sencillo en su narración pero no por eso deja de tener el valor de “documento”.
Mostrar qué pasa en el país en el aspecto social y médico es un deber para muchos documentalistas. A veces no se tiene el público deseado para recuperar la inversión pero aún así son documentales bienvenidos por las verdades que desnudan, con la amplitud que da el cine. Desde este punto de vista, felicitamos a Pochat por su iniciativa.
Elsa Bragato
SCREAM 4
De Wes Creaven y Kevin Williamson. Con Lucy Hale, Roger Jackson, Shenae Grimes, entre otros. Música de Marco Beltrami, Buck Sanders, John Kurlander. Duración: 111 minutos.
BUENA. TERROR CONOCIDO CON LA EFICACIA DEL 3D
Hace quince años (1996) Scream aterrorizaba con una llamada telefónica, una ya emblemática máscara y un cuchillo. El regreso, luego del último Scream en el 2000, del director Wes Creaven junto al mismo guionista, Kevin Williamson y a tres estrellas de entonces (Neve Campbey, Courteney Cox y David Arquette), con la ausencia de la protagonista Drew Barrymore, nos promete una larga hora de estremecimiento en el mismo pueblo.
La historia de este cuarto film Scream se centra en “Sidney Prescott”, convertida en una exitosa escritora que logró superar el terror vivido en su pueblo, Woodsboro. Sin embargo, el destino quiere que tenga que presentar su último libro allí, en Woodsboro, donde había vivido tanto horror. Todo está armado en el argumento de manera tal que el horror recomience como se debe en este tipo de films secuelas. Claro está, de una manera más sofisticada porque incluye el 3D.
Para quienes no vieron las anteriores “Scream”, encontrarán muchas referencias que no les dirán nada, salvo una íntima interrogación, tendrán la sensación de que algún eslabón se perdieron. Para el que ha seguido la saga, viendo la última película en el 2000, muchos elementos argumentales comenzarán a tener sentido. Hay que destacar que el tema en el género del terror es, básicamente, el mismo con gradaciones: el primer film aborda siempre el género por completo. Horror, terror, sangre y los elementos distintivos del comienzo de una saga. El segundo se centra en las secuelas del primero. El tercero se apoya en los cierres de las historias de los personajes y lugares y llega a la conclusión. No siempre se espera un cuarto film.
Los cuatro films están dirigidos a los espectadores que hacen un culto del estilo “Scream” porque fue la trilogía que renovó el género cuando prácticamente no interesaba más a mediados de los 90. Hoy se tiene la tecnología 3D para asustar más, la música efectista de Marco Beltrami, y se forma una narración audiovisual que contribuye a atemorizar a los que buscan un esparcimiento teñido de sangre.
Se considera que “Scream 4” es la película más seria y oscura de todas, aunque persistan los guiños referenciales: cuando revisan el baúl del auto de la protagonista y se encuentran las fotos que, obviamente, corresponden a los films anteriores. Hasta aparece un póster de Shakira y en una película que se transmite por televisión se observa el nombre de Robert Rodríguez en los créditos. Guiños, referencias, saludos crípticos, solo para fans del género.
Los asesinatos seriales regresan con el “esplendor” sangriento que da el 3D y la previsibilidad de la conclusión que, de ninguna manera, da por terminada la saga. Buen ojo comercial de Wes Craven y una realización que incluye a jóvenes actores como para que tengamos la certeza de que el terror continuará. Para fanáticos de Scream.
Carlos Pierre



jueves, 21 de abril de 2011

EL HOMBRE QUE PODÍA..., UNA ESPOSA DE MENTIRA, HOP REBELDE SIN PASCUA, LA CHICA DE LA CAPA ROJA, CRUZADAS, ESTRENOS JUEVES 21 ABRIL, BUENOS AIRES


JUEVES 21 DE ABRIL DEL 2011.
Hay seis estrenos, dos nacionales. No comentaremos “El gato desaparece” por no haberla visto.
EL HOMBRE QUE PODÍA RECORDAR SUS VIDAS PASADAS
De Apichatpong Weerasthakull. Con Thanapt Saisymer, entre otros. Duración: 114 minutos.
MUY BUENA. ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA
Weerasthakull se llevó el mayor premio del festival Cannes, cuyo jurado estuvo presidido por Tim Burton, y desató polémica en las mentes occidentales de muchos críticos. Este film, de extenso título, nos ubica en el final de la vida de un hombre que padece problemas renales y debe someterse a diálisis pero es un enfermo terminal. “Boomee” es su nombre. Decide entonces ir a la frondosa jungla tailandesa y terminar sus días allí. Esta transición de la vida a la muerte está magistralmente narrada por Weerasthakull porque explicita la relación de Boomee con sus fantasmas, con los seres que ya no están como su mujer, y la convivencia con ella y otros seres extraños, humanoides que vienen del más allá. Todos conviven porque, evidentemente, es la convivencia que tiene Boomee en su mente y en su espíritu en ese momento terminal de su vida con el más allá. Todo se desarrolla terrenalmente si bien Boomee y sus cuidadores son seres de carne y hueso y el resto son fantasmas. Boomee busca el lugar para partir, de la misma manera que lo hacen los animales, de extraordinaria intuición, como las palomas, los gatos, los perros que, de no ser por los humanos, morirían en soledad. He aquí la muerte como un acto solitario no solo porque le acontece a uno mismo sino porque es un acto de ámbito privado.
El valor narrativo de Weerasthakull está en desentrañar lo críptico de una situación final enraizada con la religión budista: fue capaz de narrarlo, de explicarnos con imágenes qué pasa en el corazón de un enfermo terminal con determinadas características culturales cuando debe aceptar su muerte y, para ello, se prepara.
 Como aditamento especial está la fotografía de esa jungla tailandesa, exuberante, que contrasta con la simpleza de la casa de Boomee. Nos queda, sí, una secuencia simbólica y es la inicial, la del buey que se escapa y es capturado nuevamente, tal vez una alegoría? Sobre la voluntad de escapar de la muerte, que siempre nos gana, nos recaptura. Tal vez.
Es cine-arte, se da en cinco salas solamente y es una buena oportunidad para ver un film con grandes valores artísticos frente a la mediocridad reinante tanto en el cine nacional como en el extranjero en general. Estamos dentro del “género metafísico” que en Oriente tiene notables realizadores y seguidores.
Carlos Pierre
UNA ESPOSA DE MENTIRA
De Dennis Duggan. Con Adam Sandler, Jennifer Aniston, Nicole Kidman, entre otros. Duración: 110 minutos.
REGULAR. “SITCOM” BASADA EN “FLOR DE CACTUS” SIN PASIÓN
En 1969 Ingrid Bergman era la “Flor de Cactus” que Walter Matteau conquistaba finalmente. Entonces, el personaje era un odontólogo y la recepcionista, una solterona. Ahora Adam Sandler compone a un cirujano plástico y su ayudante es una divorciada con dos hijos, papel que encarna Jennifer Aniston. Los dos actores son duchos en la comicidad y esto se nota. Sin embargo, el tono del film, ese transcurrir narrativo sin pasión, lo tornan previsible y le dan la calificación de regular.
Este cirujano plástico utiliza un anillo de casado, si bien está divorciado, para poner límites a las ansias amorosas de cualquier mujer. Una noche y nada más. Cuando todo se le complica, recurre a una esposa falsa, su asistente que es la rubia o ¿castaña? Jennifer Aniston. Los parlamentos entre Aniston y Sandler resultan simpáticos porque ambos tienen muchísimo oficio.
La aparición de Nicole Kidman como la ex, nuevamente casada, no aporta nada y, en realidad, desilusiona porque Kidman está muy lejos de ser la frágil rubia que conocimos. Se ha teñido las cejas de castaño oscuro por lo que su bellísimo rostro, con mucho botox, se ve endurecido, perfecto, sí, pero con rasgos duros.  No obstante, los diálogos con Sandler y Aniston son también simpáticos.
Es decir, como remake de Flor de Cactus, un film y un título de colección, es muy pobre. Además tiene varios cambios como apuntamos. Hay oficio actoral y una dirección narrativa de taquito, a la manera de una sitcom para la tevé.  He aquí el gran error. Si la ve, no la va a pasar mal. Pero desde el punto de vista cinematográfico, es un producto mediocre.
Elsa Bragato
HOP, REBELDE SIN PASCUA
De Tim Hill. Con James Marsden, Kaley Cuoco, Gary Cole, David Hasselhoff, entre otros. Duración: 95 minutos.
REGULAR. UN CONEJO BATERISTA EN LUGAR DE ARDILLAS PARA LAS PASCUAS
Ni bien se enciende el proyector, nos damos cuenta de que estamos frente a una versión unipersonal y masculina de Alvin y las Ardillas, film en el que interactuaron actores de carne y hueso y muñequitos de computación. Por lo general, este tipo de películas se estrenan para las Navidades y, es cierto, faltaba la versión específica para las Pascuas. He aquí esa versión: en lugar de Navidades, las Pascuas.
Sin el 3D, ¡finalmente!, la empresa Illumination encara una versión trajinada de una familia de conejos que viven en Rapa Nui y tiene un túnel suboceánico que los conecta directamente con Hollywood. La fábrica del conejo padre en Rapa Nui, multicolor, fantástica, tiene fuentes de confites y un ordenado “ejército” de pollitos va armando los huevos de pascua (“manía” de Hollywood de recrear símiles de los campos de concentración nazis). El heredero de la empresa es Hop quien se escurre por el túnel para buscar en Hollywood su futuro como baterista y allí se encuentra con Fred (Marsden), un treinteañero que no consigue trabajo.
Enredos en casas fastuosas y la posibilidad de que el protagonista toque la batería son ingredientes visuales y musicales agradables pero nada más. Finalmente, el “pollo” mayor se adueña de la fábrica y entre Fred y el conejo baterista deberán salvar al empresario-papá y la fábrica de huevos de pascuas para la Semana Santa.
El film le va a gustar a los más chicos, no deja de ser una versión masculina de Alvin y las Ardillas, la misma estructura con menos personajes animados, el mismo objetivo (el musical) y la novedad de pensar específicamente en Semana Santa y no en Navidad. Por lo demás, no es un film con méritos en la animación como para calificarlo de bueno o muy bueno. Para los más chiquitos, no está mal.
Elsa Bragato
LA CHICA DE LA CAPA ROJA
De Catherine HArdwicke. Con Amanda Seygried, Gary Oldman, Julie Christie, entre otros. Duración: 105 minutos.
REGULAR. MUCHA PRODUCCIÓN PARA UNA HISTORIA QUE SE DESMADRA
La ambientación de este film es fantástica. La primera toma secuencia nos recuerda a Robert Wise, esa búsqueda por cadenas montañosas nevadas para ir, en vuelo escarpado y circular, recayendo en una villa que puede ser medieval. O bien atemporal.
Luego está la luna llena y un pueblo azotado por lobizones que aparecen y matan animales y personas. La caperuza roja la va cosiendo, pacientemente, la abuela de Valerie, la siempre bella Amanda Seyfried, a cargo de Julie Christie a quien la hacen posar como “loba”: “Abuelita, ¿qué grandes ojos tienes!” y una cámara con lente de aumento enfoca despiadadamente los ojos de Christie. “Abuelita, ¡qué boca grande tienes!” y la cámara vuelve a ese primerísimo primer plano con aumento sobre los dientes de la siempre bella Christie, escenas que motivan risa. ¿Será ella el “lobo”? Confusión. Por lo tanto, es llamado un “cazalobos” a cargo de Gary Oldman, brutal, despiadado y hasta desagradable, que debe cumplir con su objetivo pero no queda nada en claro si lo cumple o qué pasa en definitiva. El símbolo está en la caperuza roja que un buen día la abuelita Christie le regala a su nieta Seyfried; presagio de dolor, de muerte. Mucho presagio, mucha nieve, mucho escenario bien armado y atractivo, pero nada más.
La película se queda en el magnífico color rojo púrpura de la capa de Valerie, en el bellísimo rostro de Seyfried, en un Gary Oldman “congelado” en el desarrollo de su personaje y en dos jóvenes que se disputan el amor de la joven, como en Crepùsculo, el anterior film de la directora. ¿El padre de Valerie? ¿Quién es ese lobo tan ficticio que habla? ¿Qué significa tanto calificado elenco para personajes sin desarrollo? Hay producción, hay fotografía, hay elenco. No hay guión.
Elsa Bragato
CRUZADAS
De Diego Rafecas. Con Enrique Pinti, Moria Casán, Nacha Guevara, Willy Lemos, Chachi Telesco, Tomás Fonzi, Carlos Belloso, Hernán Caire, entre otros. Música de Damas Gratis y Peperina en Llamas. Duración: 94 minutos.
MALA. DEMASIADO POCO PARA TAMAÑO ELENCO
Conocimos a Daniel Rafecas en Buda, luego en Paco y Rodney, y ahora llega con “Cruzadas” donde intenta la comedia dramática y picaresca sin lograrlo. Es la séptima película de Rafecas; en las anteriores, trazó con coherencia un estilo no convencional con rasgos sustentables, armónicos.
En el caso de “Cruzadas” desperdició la valiosa reunión de artistas con gran trayectoria como Enrique Pinti, Nacha Guevara, Moria Casán, Carlos Belloso, entre otros que poco y nada pueden hacer para salvar el previsible naufragio de este proyecto, plagado de lugares comunes.
Enrique Pinti es el titular y socio fundador de un megaholding mediático, que recuerda mucho al grupo Clarín. Tiene dos hijas, una de un matrimonio legal a cargo de Moria Casán y la otra, no reconocida, fruto de una relación con una mucama, encarnada por Nacha Guevara. Las dos mujeres se cruzan, se conocen, en el velatorio del padre y allí surge la participación en el holding de ambas. Moria Casán es la empresaria ambiciosa y Nacha Guevara solo tiene interés en el mundo de la cumbia.
El argumento gira en torno a la reunión de las dos hermanas cuando el mundo de  la bailanta de González Catán copa la clase alta de San Isidro. Para eso, Rafecas llena la pantalla con personajes secundarios que no aportan nada a la historia en sí y con groserías y frases que hemos oído hasta el hartazgo. “Cruzadas” es un paso en falso en el repertorio singular de Diego Rafecas, cuyo mundo transcurre dentro de otras coordenadas y no de las que optó aquí para llegar a un cine más comercial.
Carlos Pierre


jueves, 14 de abril de 2011

LOS MARZIANO, EL DERROTADO, PRUEBA DE AMOR, TORRENTE 4- 3D, ESTRENOS JUEVES 14 ABRIL, BUENOS AIRES


JUEVES 14 DE ABRIL DEL 2011.

Hay cinco estrenos, cuatro en soporte fílmico y uno en DVD, AJAMI, que no comentaremos. Hay dos estrenos nacionales sobre los cinco.
LOS MARZIANO
De Ana y Daniel Katz. Con Arturo Puig,Guillermo Francella, Mercedes Morán, Rita Cortese, entre otros. Duración: 82 minutos.
BUENA. RELACIONES FAMILIARES EN UNA NARRACIÓN ASÉPTICA CON BUENAS ACTUACIONES
Ana Katz nos presenta su tercer largometraje, esta vez con grandes figuras del espectáculo nacional. De su obra anterior, nos emocionó especialmente “Una novia errante”. Ahora asistimos una comedia que intenta rescatar lo mejor del costumbrismo sin caer en clishés. Dos hermanos enfrentados por condiciones sociales y familiares, el que viene de Tucumán está a cargo de Guillermo Francella, lejos de la comicidad que le conocemos, y el que vive en un country es Arturo Puig, junto a su “paqueta” esposa Mercedes Morán. Uno tiene un problema en la vista, el otro juega al golf,  situaciones que marcan la diferencia social entre ambos.
Lejos de internarnos en la narración de la anécdota argumental planteada, encontramos muy buen elenco y actuaciones. En la narración en sí, sentimos que faltó emoción y que, por eludir los clishés del costumbrismo, se quedó en la asepsia secuencial. Por eso, Guillermo Francella aparece encorsetado en la solemnidad, si bien esto no le resta mérito alguno a su perfomance, pero sí a la dirección actoral. En definitiva, resulta más entrador para el espectador el personaje de Arturo Puig, que conserva buenas razones de encono para con su hermano.
En el caso de las dos actrices, Rita Cortese nos llega al corazón como la hermana que recibe a Juan, personaje de Francella, para tratar de ayudarlo en su problema y acercarlo al hermano. Mercedes Morán es impecable, pero esta quasi perfección en la actuación la hace excesivamente distante. Lo remarcamos porque no es la primera vez que sentimos que Morán actúa sin movilizarnos.
El film es amable, correcto, y se nota que los Katz lograron un presupuesto que les permitió internarse en una historia más compleja y también mucho más costosa. Si la va a ver, no se sentirá defraudado. Nada más que a la hora de hacer la crítica no podemos dejar de lado que un buen producto también tiene que movilizarnos, hacernos sentir “algo” en el corazón.
Elsa Bragato
EL DERROTADO
De Javier Torre. Con Adrián Navarro, Romina Gaetani, Norma Argentina, Facundo Navarro, M´´onica Galán, entre otros. Guión basado en el libro homónimo de Leopoldo Torre Nilsson. Música de Pablo Memi y Eduardo Piva. Duración: 90 minutos.
BUENA. COMEDIA DRAMÁTICA SOBRE LA VIDA DE UN LUDÓPATA EN LA DÉCADA DEL 50
Javier Torre logra una ambientación perfecta de los años 50, a cargo de Catalina Motto. Hay un retrato realizado con minuciosa fidelidad de una época huérfana de objetos domésticos, formal en el trato diario y con una pátina del nihilismo existencialista de entonces. La locación de la vivienda es más que acertada, reflejando cabalmente las edificiaciones de las primeras décadas del siglo XX.
Julio es el personaje que encarna Adrián Navarro, un actor ampliamente fogueado en el cine (no solo en TV), que ve su propio deterioro y el de su vida por su ludopatía: juega a las carreras, a las cartas, dados y taba criolla. La pérdida constante en el juego lo sumerge en una pendiente psicológica difícil de remontar: maltrata a su joven esposa, a cargo de una eficiente Romina Gaetani, a su pequeño hijo, y hasta pierde el trabajo. Ni siquiera su esposa, sufrida durante años, dejará de buscar un atajo a tanta desilusión y dolor cotidiano.
El clima es opresivo y convincente. Es una comedia dramática donde los actores puede lucir sus capacidades y movilizar al espectador.
Añadimos que Javier Torre recurrió al archivo de sonido de Radio Nacional y al Archivo General de la Nación para adecuar los programas de radio, único medio informativo de las familias de entonces, a la época. Si bien nuestra calificación es “buena”, hay rigor cinematográfico y buena dirección actoral.
Carlos Pierre
PRUEBA DE AMOR
De Shana Feste. Con Pierce Brosnan, Susan Sarandon, Carey Mulligan, Johnny Simmons Bennett, entre otros. Música de Christopher Beck. Duración: 96 minutos.
REGULAR. DRAMA FAMILIAR ENMARCADO EN UN ROMPECABEZAS
Decimos que este film tiene un montaje desacertado porque se transforma, rápidamente, en un rompecabezas para el espectador que deberá saltar desde la movilizante escena de amor de los protagonistas (Carey Mulligan, gran actriz) al dolor desesperante de Susan Sarandom como la madre que perdió a su hijo.
La pareja tiene relaciones, el joven muere trágicamente, y un buen día, nadie sabe cómo, la chica (Mulligan) aparece en el hogar de su novio para decir que quedó embarazada. Sin más, el padre la acepta ante la reticencia de Sarandom que apenas puede con su vida. El hermano del joven fallecido es adicto a las drogas y supera rápidamente el dolor familiar logrando cierta amistad con la “desconocida” y su futuro bebé.
El gran problema del film no pasa por el guión sino por el montaje. No se entiende. Veamos: la aparición de la joven en la casa de su novio no se comprende. La salida al cine con el padre de su novio, un personaje que Pierce Brosnan realiza con oficio y emotividad, tiene una extensión secuencial inusitada y no aporta nada. O la visita a un centro de recuperación por parte del hermano de la víctima también es extensa y queda ahí, como un gran cabo suelto. Tampoco se comprende la rápida asimilación de la jovencita a su nuevo hogar y las decoraciones insólitas, cuanto menos, que realiza.
Se salta de situación en situación. Hay una secuencia que destacamos y que muestra, finalmente, el dolor de los padres: el arrebato de la madre de ahogarse en el mar y la salvación de su marido. Brosnan conmueve, Sarandom nos arranca el corazón.
Tampoco tiene correlato alguno la visita de Sarandom al hospital para hablar con el camionero que dio muerte accidentalmente a su hijo, y la búsqueda de frases, que le describan ese brutal hecho, para cambiar bruscamente el sentido original del film.
Muchos son los subtemas colgados: el de la recuperación del joven drogadicto, el accidente fatal contado y no filmado, la relación del padre con una profesora amable y sonriente. Y “colgar”, dejar sin desarrollo tantos subtemas, produce confusión. Son saltos narrativos que desdibujan el drama familiar transformándolo en anodino.
Destacamos a Susan Sarandom en un protagónico conmovedor. Y aportamos el dato de que es el primer film de la directora.
Elsa Bragato
TORRENTE 4 en 3D
DE Santiago Segura. Con Santiago Segura, Kiko Rivera, entre otros. Duración: 93 minutos.
MALA. GROSERÍAS DE LA PEOR CALAÑA EN 3D
Estamos frente a la cuarta película de la saga Torrentiana de Santiago Segura. Desde la primera Torrente-El brazo tonto de la Ley (1998), el actor y guionista y director Santiago Segura cosechó millones de euros en España. Y, lamentablemente, espectadores (ha estado en el BAFICI!). Encarna a un policía transformado por obra del tiempo en seguridad privada que pasa por una “crisis letal” e intenta sobrevivir en la ciudad a la espera de algún “encargo”. Una misión fracasada lo lleva a la cárcel y éste es el lugar para desarrollar una serie de groserías de la peor calaña. Especialmente si estamos viendo un film que fue incorporado al circuito comercial y no a una sala condicionada.
La escatología más barata está a la orden del día, como un teléfono que se extrae de un orificio del cuerpo, sucio y pestilente, a manera de “gracia”. Por si fuera poco, las mujeres son “vaciaderos útiles” para este maleducado del cine español que las menea desnudas para distraer al espectador. No se entiende cómo Santiago Segura es licenciado en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Creemos que se quedó dormido en varias materias. Mal gusto, pésimo cine para un circuito comercial que requiere de salas para el cine nacional, bueno o malo. ¿Cuánto dinero ha pagado la distribuidora para que Segura se pasee por los canales porteños de TV promocionando esta basura?
Carlos Pierre